36ème VENTE GARDEN PARTY - I

Scooter de l'Elysée
utilisé par le Président François Hollande
pour rejoindre incognito, galamment, l'actrice Julie Gayet, du Palais de l'Elysée à la rue du Cirque,
au jour de l'an 2014.

Piaggio MP3 gris, 3 roues, 125 cm³.
N° série du type : ZAPM6310000001623. Italie.
Immatriculé AL 807 SX.
34.000 km.

Provenance :
- Présidence de la République, 55 rue du faubourg Saint Honoré, 75008 Paris, 2009 ;
- vente aux enchères des Domaines, 10 décembre 2015 ;
- cédé par l'acquéreur des domaines à Patrick et Manola Sionneau, dédicataires de l'ouvrage "Bouleversements" par François Hollande :

" A Patrick et Manola qui ont eu la chance d'enfourcher mon scooter
Pour mieux partager leur bonheur.
Cordialement
Ce scooter est le bon
François Hollande "

A grey three-wheeled Piaggio MP3 scooter used by French President François Hollande in 2014 to discreetly meet his lover.

Presse :
- Closer, La Une, tirage à 500 000 exemplaires, 10 janvier 2014.
- Le Monde, "L'étonnant destin d'un certain scooter élyséen", 11-12 juin 2023.
- Paris Match, Florent Buisson, "François Hollande : le scooter du scandale est à vendre", 4 avril 2024

Rémi Le Forestier (Français, né en 1985) pour la maison Percier et Fontaine
Trône pour le couronnement de Jean-Bedel Bokassa

en acajou sculpté et doré à la feuille.
Réplique du trône du couronnement de l'Empereur de Centrafrique, le 4 décembre 1977 à Bangui.

Haut. 300 Larg. 350 cm.
(ailes, corps et pieds démontables)

Expositions : "Trône interdit", au Palais Vivienne, Paris ; puis au château de Condé, Aisne, été 2023.

Rémi Le Forestier for Percier & Fontaine. A carved and gilded mahogany replica of the throne used on the occasion of the Dec. 4, 1977 coronation of Emperor Bokassa I in Bangui, Central Africa.

Conçu par le sculpteur Olivier Brice comme un aigle assis aux ailes déployées, le trône original du couronnement de Bokassa est directement inspiré de la geste napoléonienne. Le sculpteur, qui construisit un atelier spécial près de sa maison à Gisors en Normandie, place au centre d'une cavité dans le ventre de l'aigle le siège en velours rouge, fourni par le drapier Michel Cousin. Pesant environ deux tonnes, le coût total du trône en bronze doré s'éleva à 2.500.000 dollars. Livré à la vindicte populaire lors du renversement de S.M.I. Bokassa, il n'en reste à Bangui que quelques éléments de la carcasse métallique. La cérémonie orchestrée par la France, mais financée par le libyen Kadhafi, coûta 100 millions de francs. Pierre Cardin signa les uniformes et le joaillier Arthus Bertrand, la couronne ornée de 7 000 carats de diamants. Cette réplique contemporaine du trône original, brillante évocation de la dernière cérémonie de couronnement impérial au XXe siècle, a été exposée en compagnie d'autres répliques de trônes impériaux.

Flandres, vers 1520
Dressoir

en chêne sculpté ouvrant à quatre vantaux, deux au corps supérieur encadrant une partie fixe, deux grands vantaux à quatre panneaux au corps inférieur. Décor de personnages en buste dans des médaillons représentés de face en partie haute et de profil en partie basse, entourage de rinceaux symétriques.

Haut. 187 Larg. 153 Prof. 57,5 cm.
(quelques accidents et restaurations)

Flanders, ca. 1520. A carved oak dresser.

Ceinture de chasteté

en fer recouvert d'un velours cramoisi sur la partie externe et d'un tissu crème sur la partie interne.

Tour de taille : 72 cm.
Hauteur déployée : 52,5 cm.
(usures, sans cadenas)

A velvet covered iron chastity belt. From the same collection as the portrait of Antonietta Gonsalvus by Lavinia Fontana sold at Château d'Artigny in June 2023.

Provenance : collection du docteur Edgar Bérillon (1859-1948), collectionneur du portrait d'Antonietta Gonsalvus par Lavinia Fontana découvert en 2023 à l'occasion de la vente au château d'Artigny ; par descendance, collection de l'Yonne.

Oeuvre en rapport : modèle comparable, non daté, dans la donation Sauvageot en 1856, conservé au musée du Louvre, Département des Objets d'Art du Moyen Age, de la Renaissance et des Temps Modernes, n°NP48.

La première description d'une ceinture de chasteté apparaît dans le "Bellifortis" de Konrad Kyeser vers 1420 (BNF, Département des Manuscrits. Latin 17873), ouvrage d'ingénieur mêlant des propositions techniques réalistes et fantaisistes. Associée à l'époque médiévale par Rabelais ou Voltaire, l'évocation de ces ceintures est avant tout métaphorique et allégorique. Si les premiers instruments apparaissent en Italie au XVe siècle sous le nom de "ceintures de Vénus" ou de "ceintures florentines", la plupart a été créée au XIXe siècle pour satisfaire le goût des collectionneurs, notamment anglais, recherchant ces objets "gothiques".

Trousse dite "d'Olivier Le Daim, barbier de Louis XI"

en laiton et cuir sur une âme de bois cloutée. Deux couvercles s'ouvrent par des boutons poussoirs en partie supérieure. Le plus grand découvre trois compartiments, dont deux recouverts d'abattants en laiton gravé. Un compartiment en partie basse.
Accompagné de deux documents autographes, dont un relatif à sa provenance.

Haut. 8,5 Long. 19 Prof. 6 cm.

Un test au carbone 14 (Ciram, Bordeaux, 19 mars 2024) établit deux intervalles de datation : le premier entre 1457 et 1529 le second entre 1542 et 1634.

Provenance selon la tradition :
- retrouvée au château de Plessis-lèz-Tours par un descendant d'Olivier Le Daim, transmise par succession ;
- collection Réville, puis Sauvageot ;
- collection du baron Michel de Trétaigne, transmise par succession ;
- collection du baron de Warenghien, transmise par succession ;
- collection de la Somme.

A brass and leather covered wooden box reputed to have belonged to Olivier Le Daim, barber to French King Louis XI. With two handwritten documents, one of them highlighting the provenance of the box.

Bibliographie :
- Charles Fuinel, "La trousse d'Olivier Le Dain", in "Note d'Art et d'Archéologie", première partie, T.1, Paris, Mersch, 1889, p. 240.
- « Séance du 22 février 1931 » in Bulletin de la Société historique et archéologique de Dunkerque et de la Flandre Maritime », T.XXVIII, 1931, p. 249.

Oeuvres en rapport :
- Ewald Berger, "Prunk-Kassetten : Ornamental Caskets", Arnoldsche Art Publishers, 1998, pour un coffret allemand du XVIIe siècle reproduit p. 235, n°147 ;
- Oliver Impey et C.J.A Jörg, "Japanese Export Lacquer 1580-1850", Amsterdam, Hotei Publishing, 2005, pour un coffret en laque du Japon à destination du marché anglais, reproduit p. 115, n°210 ;
- Nagashima, Meiko, « Japan. Export Lacquer : Reflection of the West in Black and Gold Makie , cat. Exp., Kyoto, National Museum, 2008, pour un coffret en laque du Japon à destination du marché anglais reproduit p. 128, n°88.

France, fin du XIXe siècle
Ange adorateur

en bois sculpté en fort relief.

Haut. 114 Larg. 51 Prof. 49 cm.
Sur un socle moderne en bois laqué noir. Haut. totale 154 cm.

Jointes : deux paires d’ailes en bois sculpté (accidentées).

Provenance : ancienne collection Jean Niermans (1897-1989), architecte, Grand Prix de Rome ; par descendance, Touraine.

France, late 19th C. A carved wood figure of a praying angel. On a modern black lacquer base, with two additional pairs of wings.

Catalogne ?, XIV/XVe siècle
Tête d'homme

en pierre calcaire sculptée en ronde-bosse.
Portrait d'un homme viril au visage imberbe avec front dégagé, yeux enfoncés bordés de paupières ourlées, nez fort, sillons naso-labiaux creusés, bouche à la lèvre inférieure charnue, menton proéminent ; chevelure courte traitée en rangées de boucles parallèles, aux extrémités recourbées.

Haut. 24 Larg. 30,5 Prof. 22,5 cm.
(légers accidents)

Soclée. Haut. totale 40,5 cm.

Catalonia?, 15th-16th C. A limestone head of a beardless man. On a base.

Italie du nord, d’après un modèle padouan, XVIe siècle
Loup passant

en bronze à patine brune.

Haut. 8,5 Larg. 17,4 cm.
(patine usée)

Socle en marbre vert, anciennes étiquettes.

Provenance : collection Raymond Subes, château de Larnagol ; par descendance familiale, Blois.

Northern-Italy, 16th C. A bronze figure of a walking wolf after a Paduan model. On a green marble base.

Bibliographie consultée :
- P. Cros, "Bronzes de la Renaissance italienne", Somogy, 1996, p.42-53 ;
- D. Allen & P. Motture, "Andrea Riccio, Renaissance master of bronze", Philip Wilson, 2008, p. 125 ;
- L. Planiscig, "Andrea Riccio", Vienna, 1927, p. 302, fig. 346.

Ce loup passant est connu à de rares exemplaires. L’un d’entre eux, anciennement dans les collections des Staatliche Museen de Berlin, a été publié par Planiscig en 1927 dans son ouvrage consacré à Andrea Riccio. Un autre, appartenant au collectionneur viennois Robert Rudolf Theodor Mayer (1874-1974), est passé sur le marché de l’art il y a quelques années (Sotheby’s, Londres, 3 décembre 2019, lot 35).

Audenarde, fin XVIe siècle
Tapisserie

laine et soie de la tenture de la vie de Moïse. Au premier plan, la reine implore Pharaon, entouré de ses généraux ; à l’arrière-plan, la cavalerie égyptienne est noyée dans les flots. Bordure de personnages dans des médaillons et vases de fleurs.
Porte deux marques d'ateliers tissées dans le galon bleu.

Haut. 343 Larg. 467 cm.
(usures, notamment dans les soies, restauration)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill, décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Oudenarde, late 16th C. A wool and silk tapestry depicting the life of Moses. Formerly hanging in the Maison Jansen decorated Parisian apartment of Princess Radziwill.

Une tapisserie comparable, d’une tenture de sept pièces, provenant de l’hôtel de Vogüé à Dijon, est conservée au château de Pouilly-en-Auxois.

Italie du Nord, XVIe siècle
Bénitier de forme ovale

en marbre de Vérone, au culot godronné et le bord souligné d’une frise d’oves.

Haut. 26 Larg. 50 Prof. 35 cm.

Provenance : ancienne collection du Poitou.

Northern-Italy, 16th C. An oval Verona marble font.

Travail du XVIe siècle
Buste d'empereur

en marbre sculpté.
Tête imberbe à la chevelure courte et bouclée, cuirasse à l’antique au pectoral orné d’un masque de Gorgone, manteau fixé sur l’épaule gauche par une fibule.

Haut. 91 Larg. 78 Prof. 32 cm.
(érosions, notamment au visage, accidents)

16th C. A marble bust of an Emperor.

Manufacture Pajot-Jeune à Jenzat
Vielle à roue

en bois au décor polychrome, manche sculpté figurant une tête de femme.
Signée sur le manche et sur une étiquette à l'intérieur " Pajot Jeune Jenzat Allier Médaille d'Or"

Long. totale 72 cm.
Long. table 54 cm.

The Pajot-Jeune Factory. A polychrome wood hurdygurdy. Peg box topped with a female carved head. Signed.

L'histoire des Pajot est intimement liée à celle des vielles à roue. Cette famille s'établit à Jenzat dès la seconde moitié du XVIIIe siècle pour y réaliser des instruments et notamment des vielles. Fondée par Joseph Pajot (1848-1926), la manufacture suscite l'intérêt des collectionneurs du monde entier dès le XIXe siècle en raison de la qualité des pièces qui y sont produites.

Nous remercions Maître Etienne Laurent pour ses précieuses indications.

Vice-royauté de Nouvelle-Espagne, fin du XVIIe siècle
Coffret à couvercle bombé

à âme de bois plaquée d'écaille, gravée de motifs circulaires et végétaux.

Haut. 12,5 Long. 19 Prof. 10 cm.
(accidents, manques et restaurations)

Provenance : ancienne collection d'Emile Legrand, ancien champion et capitaine de l'équipe de France Olympique de bobsleigh de 1924 à Chamonix.

New Spain, 17th C. A tortoiseshell veneered wood chest.

Dans le goût de l’antique
Putto à la cruche

Marbre.

Haut. 67 Larg. 27 Prof. 22 cm.
(usures et restaurations)

Italian School?, 18 th. C. A marble sculpture of a putto with a jar.

Attribuée à Simon Guillain (Paris, 1581-1658)
Tête de Louis XIII enfant, c. 1610

en pierre calcaire de Tonnerre sculptée en ronde-bosse. Tête ceinte d'une haute couronne royale fleurdelysée et orfévrée ainsi que d'une couronne de laurier portée sur la chevelure; visage avec les joues pleines, les globes oculaires proéminents, les yeux aux caroncules lacrymales ourlées et creusées, la bouche petite aux lèvres desserrées ; la chevelure mi-longue forme autour du visage une suite de mèches ondulées et bouclées au centre foré au trépan.

Haut. 43,5 Larg. 27,5 Prof. 28 cm
(quelques accidents et manques)

Soclée. Haut. totale 60,5 cm.

Provenance : ancienne collection Jacques Pouillon (1935-2011), sculpteur et antiquaire, Versailles.

Attributed to Simon Guillain, ca. 1610. A large sculpted limestone head of King Louis XIII as a child.

Jean-Baptiste Mallet (Français, 1759-1835)
Scène galante avec Henri IV et Gabrielle d'Estrées

Gouache.
Signée en bas à gauche.

Haut. 17 Larg. 13,5 cm.
Cadre en bois sculpté et doré (Haut. 42,5 Larg. 39 cm).

Provenance : château du Lochois.

Jean-Baptiste Mallet. A painting of a romantic scene between French King Henri IV and his confidante Gabrielle d'Estrées. Signed. In a carved giltwood frame.

Attribué à Ottmar Elliger II (Néerlandais, 1666-1732)
La mort de Cléopâtre

Huile sur cuivre.
Au dos un N° à la peinture noire 724.

Haut. 41 Larg. 52 cm.
(restaurations anciennes)

Cadre mouluré et sculpté en bois noirci et à l'imitation de l'écaille (Haut. 57 Larg. 68 cm).

Provenance : collection parisienne.

Attributed to Ottmar Elliger II. A painting depicting Cleopatra's death. Oil on copper. In a blackened wood and faux tortoiseshell frame.

Attribué à Pieter Fransz. de Grebber (Haarlem, 1573 ? - c. 1649)
Esther entrant en jeûne après la lecture de la lettre de Mardochée lui apprenant le complot contre le roi

Toile.

Haut. 81,5 Larg. 97 cm.
Cadre en bois sculpté et doré (Haut. 99 Larg. 115 cm).

Provenance : collection parisienne.

Attributed to Pieter Fransz. de Grebber. A painting depicting the fast of Esther. In a carved giltwood frame.

Le sujet de notre tableau est tiré du Livre d'Esther 2,22. Une composition très proche de la nôtre a été présentée en vente par Müller en décembre 1938, no.16 (toile, Haut. 114 Larg. 129 cm, monogrammée PDG ; puis Art Dealer Vermeulen, The Hague, 1949 - na 1949, Art Dealer K.W. Bachstitz, The Hague, inv./cat.nr Ru 302 G 35- 1949).

Travail du XIXe siècle
sur un dessin d'André-Charles Boulle (Français, 1642-1732)
Exceptionnelle paire de coffres d’apparat sur piétement

en marqueterie « Boulle » à fond rouge :

- Les coffres rectangulaires sont à dessus bombés ; ils présentent un décor en partie de réserves, d’enroulements d’acanthe affrontés et de fleurons d’acanthe sur fond d’écaille à fond rouge, dans des encadrements d’ébène.
Riche ornementation de bronzes ciselés et dorés de bardages à têtes de lions et écoinçons à rosettes aux angles, poignée sur le dessus au masque de lion, poignées tombantes sur les côtés dans des agrafes au profil de Louis XIV surmonté d’une palmette ;

- Les piétements sont également sur fond d'écaille rouge ; ils présentent une doucine sur une ceinture à tablier au profil féminin encadré d’enroulements en bronze. Les montants avant sont réunis par une tablette d’entrejambe centrée d’un bronze rayonnant. Bronzes ciselés et dorés tels que palmettes d’angle, lingotière aux lauriers et bagues à godrons et cadres. Pieds boules à feuilles d’acanthe.
Gravure en taille douce d’origine tant sur l’écaille que sur le laiton.

Coffre : Haut. 35 Larg. 56 Prof. 38,5 cm.
Piétement : Haut. 82,5 Larg. 69 Prof. 51,5 cm.
Haut. totale 117 Larg. 69 Prof. 51 cm.
(petits manques et décollements)

Provenance : ancienne collection de l'antiquaire Serge Markovic, Paris.

French, 19th C. Based on a drawing by André-Charles Boulle. A pair of ormolu-mounted Boulle marquetry chests.

Jean Chevalier (Français, vers 1725-c. 1790)
Portrait de Louis-François-Anne de Neufville, duc de Villeroy et pair de France, 1745

Toile.
Signé en bas à gauche et daté 1745. En bas à droite, une étiquette numérotée 63.
Noté au dos sur le châssis "gravé par Wille".

Haut. 55,5 Larg. 45,5 cm.
Cadre en bois sculpté et doré (Haut. 68 Larg. 57 cm).

Jean Chevalier, 1745. A portrait of Louis-François-Anne de Neufville, duke of Villeroy and peer of France. In a carved giltwood frame.

Jean Baptiste II Lelarge (Français, 1711-1771) et suiveur
Partie de salon aux Fables de La Fontaine

11 pièces en hêtre mouluré, sculpté et laqué blanc. Deux fauteuils et six chaises à dossier à la Reine d'époque, complétés postérieurement d'un canapé et de deux fauteuils de style. L'amortissement du dossier mouvementé est décoré de coquilles et d'acanthes ; les accotoirs en retraits sont à manchettes. Les pieds galbés sont à décor de fleurettes.
Estampillés "J.B.Lelarge" sur les six chaises et deux fauteuils. Lelarge, reçu maître à Paris, le 14 janvier 1738.

Garniture en tapisserie, laine et soie, Aubusson, XIXe siècle, possiblement Braquenié, à décor d'enfants chasseurs et de scènes champêtres sur le dossier et des fables de La Fontaine sur l'assise de neuf sièges : Le lièvre et la tortue ; La brebis et le renard ; Les deux rats, le renard et l'oeuf ; Le chien, le coq et le renard ; Le cheval et le loup ; Le cerf voyant dans l'eau ; Le lion, le singe et les deux ânes ; Les deux pigeons ; Le renard et le bouc.

Chaises : Haut. 91,5 Larg. 59 Prof. 47 cm.
Fauteuils : Haut. 95 Larg. 69 Prof. 55 cm.
Canapé : Haut. 96,5 Larg. 177 Prof. 61 cm.
(deux des six chaises garnies de velours vert, traces de dorure, usures à la laque)

Provenance: collection d'un château du Lochois.

Jean Baptiste II Lelarge and followers. A set of two carved and lacquered beechwood flat-back armchairs and six chairs as well as a couch and two armchairs (later additions). Nine pieces of furniture upholstered with Aubusson tapestries depicting La Fontaine's Fables on the seats and pastoral scenes on the backs.

Fils de Jean Baptiste I, Jean Baptiste II Lelarge s'établit en 1738 rue de Cléry, dans la maison du menuisier Etienne Saint-Georges, mort deux ans auparavant. Son fils Jean Baptiste III, qui lui succède en 1775, conserve son estampille, d'où une difficulté quant à l'attribution des sièges entre la fin du style Louis XV et du début du style Louis XVI. Il est traditionnellement d'usage d'attribuer à Jean Baptiste II les sièges Louis XV estampillés "Lelarge". Il réalise des modèles aux lignes souples et élégantes, moulurés ou ornés de sculptures de bonne qualité, bien réparties et sans surcharge (in Le mobilier français du XVIIIe siècle, Pierre Kjellberg, les Editions de l'Amateur, Paris, 1989, pp. 499 à 501).

La garniture de ce salon, aux Fables de la Fontaine et aux enfants chasseurs, est typique du goût français du XVIIIe siècle, cultivant l’art de la conversation et de la citation. Jean de La Fontaine (1621-1695) s’inspire des fabulistes antiques tels qu’Esope, Babrius et Phèdre pour composer les « Fables » entre 1668 et 1694. Evocation pittoresque du monde animal et transposition légère et perspicace de la vie en société et de ses travers, ses vers offrent un répertoire décoratif inépuisable pour les artistes, qui continue de séduire. Les fables deviennent ainsi un « rituel », un jeu de références et de citations pour la société éclairée des Lumières.

C’est dans ce contexte que Jean-Baptiste Oudry (1686-1755), membre de l’Académie Française et premier peintre animalier du roi, réalise une nouvelle version illustrée des Fables, mettant en scène son sujet de prédilection : les animaux. De 1729 à 1734, il dessine 275 compositions au crayon et à l’encre de Chine rehaussée de gouache. Devenu directeur de la Manufacture de tapisserie de Beauvais en 1734, il reprend ses dessins qu’il adapte sous forme de cartons pour ses lissiers. Quinze ans plus tard, Montenault décide de faire graver l’ensemble des dessins sous la supervision de Nicolas Cauchin. Le recueil est publié à compter de 1755, permettant à la Manufacture d’Aubusson de reprendre le thème qu’elle diversifie, pour créer, à son tour, les merveilleuses assises de ces sièges, parangons de l'Art de Vivre à la Française.

La représentation des enfants chasseurs n’est pas sans rappeler les allégories des enfants jardiniers développées par François Boucher (1703-1770) pour la marquise de Pompadour (vente Rouillac, château d'Artigny, 10 juin 2018, n°64, aujourd'hui conservé au château de Sceaux) qui influenceront ensuite de nombreuses manufactures, dont celle d’Aubusson. Une combinaison des fables de La Fontaine pour l'assise et d’allégories enfantines sur le dossier se retrouve sur un fauteuil daté de 1765, conservé au musée des Arts Décoratifs de Bordeaux (numéro d'inventaire 11319).

Meissen, XVIIIe siècle
Rare théière et couvercle, c. 1735

en porcelaine, en forme de fleur à cinq pétales, à décor appliqué en relief et polychrome sur une face d’une branche fleurie moulée partant de l'anse en forme de branche brune et se terminant sur le bec ; l’autre face à décor polychrome de haies fleuries et écureuil, la prise du couvercle en forme de branche fleurie, filet brun sur les bords.
Marque : épées croisées en bleu.

Haut. 10,2 Larg. 16 cm.
(restauration à la prise du couvercle, un éclat à l’extrémité du déversoir)

Provenance : collection du Tarn-et-Garonne.

Meissen, ca 1735. A rare polychrome porcelain teapot with lid.

Deux théières de même forme sont conservées, l’une au Gardiner Museum de Toronto, provenant de la collection McDonald, l’autre au château d’Albrechtsburg à Dresde. Une théière comparable figurait dans l’ancienne collection Van Slyke, Sotheby's, New York, 20 mai 1989, lot 49 puis Bonhams, Londres, 2 juillet 2019, lot 37. Une théière similaire était reproduite par Armin Allen, Exhibition of European Pottery and Porcelain, 8-26 juin 1987, n° 5.

Travail parisien ou versaillais, vers 1743
Eventail allégorique de Louis XV, le Bien-Aimé

à la gouache, orné de figures allégoriques avec Louis XV, d'après son effigie "au bandeau" réalisée en 1740 par Joseph Charles Roëttiers et à la suite des travaux engagés au cabinet royal des Médailles par François Boucher.
22 panaches en nacre finement repercés et rehaussés en couleur et dorés, décorés de conques et de coquillages, avec des personnages de fêtes champêtres à la Watteau entourant un triton chevauchant un monstre marin.

Long. 26 cm.
(bel état, petite restauration)

Paris or Versailles, ca. 1743. A hand painted fan depicting French King Louis XV among allegorical figures.

L'âge d'or de la création des éventails culmine au début du règne de Louis XV. Contrairement à beaucoup d'autres, celui-ci n'est pas réalisé pour célébrer un mariage, mais est une évocation des travaux engagés par le Roi au cabinet des Médailles vers 1743, début de son règne personnel. François Boucher et Charles-Joseph Natoire représentent le Roi tour à tour protecteur des muses et entrant dans l'Histoire grace à la monnaie le représentant, réalisée dès 1740 parJoseph Charles Roëttiers, graveur général de l'Hôtel de la Monnaie. Le profil du roi est inspiré des médailles à l'Antique, dites "au bandeau". Alors âgé de 30 ans, Louis XV le Bien-Aimé émet la volonté de se faire représenter dans la fleur de l'âge, les cheveux simplement retenus par un bandeau : un choix esthétique rare. Au centre de l'éventail trône une figure de la France ou de Clio écrivant l'Histoire par les médailles. Louis XV accourt vers elle, sous les traits d'Apollon, en toge bleue à l'antique, ceint d'une guirlande de fleurs, tandis qu'une figure de la Fortune déverse à ses pieds une corne d'abondance remplie d'écus d'or, sur lesquels sera frappé le profil du Roi. Dans la partie gauche, deux amours s'apprêtent à graver des médaillons en terre cuite tandis qu'un ange allume un brasero. Dans la partie droite, des muses entraînent une farandole de danseuses. Avec sa monture en nacre et ses feuilles au riche vocabulaire rocaille de conques, tritons, dauphin et drapés virevoltants, cet éventail constitue un exemplaire luxueux destiné à une clientèle prestigieuse.

Ecole française, vers 1750
atelier de Carle van Loo (Français, 1705-1765)
Portrait de Louis XV, la main posée sur la couronne du sacre

Toile.

Haut. 117 Larg. 90 cm.
Cadre en bois sculpté et doré, travail de la vallée du Rhône du XVIIIe siècle (Haut. 137 Larg. 111 cm).

Provenance :
- vente Paris, Palais Galliera, 2 décembre 1976 ;
- collection du Président et de Madame Valéry Giscard d'Estaing, château de l'Etoile.

French School, ca. 1750. A portrait of French King Louis XV by the workshop of Carle van Loo. In an 18th C. carved giltwood frame. From the collections of French President Valéry Giscard d'Estaing.

Une version similaire avec le Roi tenant un bâton fleurdelysé est conservée au musée de Nancy.

Dans le goût du XVIIIe siècle
Douze petits pots à bouchée, dits "marmites"

en argent, munis d'une anse mobile et d’un couvercle circulaire à double filets avec poignée. Ils reposent sur trois pieds ciselés de feuilles d'acanthe en enroulement. Quatre sont gravées aux armes du duc d’Orléans, une autre porte un blason tranché surmonté d’un tortil de baron, les autres sont vierges.

Poinçons apocryphes dits des Fermiers Généraux.

Haut. 6 Diam. 6,5 cm.
Poids 1.559 g.

18th C. style. A set of twelve silver pots, four of which bear the coat of arms of Louis Philippe II, Duke of Orléans.

Ces marmites sont une évocation de l'une des tables les plus raffinée de son temps, celle de Louis Philippe, duc de Chartres (1725-1785), premier prince de sang, petit-fils du Régent. En 1743, il épouse Marie-Louise de Bourbon-Conti (1726-1759) et devient duc d’Orléans en 1752. En 1773, il épouse morganatiquement la Marquise de Montesson, qui ne prend pas le titre de duchesse d’Orléans. Le couple quitte le Palais-Royal et celui de Saint-Cloud afin de vivre plus discrètement au château du Raincy et à celui de Sainte-Assise. Alexandre Dumas, dans ses mémoires, relève : « Madame de Montesson rétablit dans cette maison le bon ton, la dignité, rouvrit la porte aux plaisirs délicats et ranima le goût des arts et le bel esprit, la gaieté et la bonhomie ».

Ces marmites sont prévues pour une table de douze couverts et permettent de proposer aux convives de petites entrées chaudes. Leurs faux poinçons évoquent les grands noms de l’orfèvrerie française du XVIIIe siècle, tels que Jean-François Nicolas Carron, Guillaume Jean-Baptiste Gouffé ou encore Jacques Nicolas Roëttiers. Ce dernier réalise le service Orloff acquis par Catherine II de Russie.
Le musée du Louvre conserve une marmite par Robert Joseph Auguste en 1784 du service de George III d’Angleterre et de Hanovre (OA 12884), tandis qu'un modèle de Jean-François Nicolas Carron est reproduit dans l'ouvrage de Gérard Mabille, "Orfèvrerie française des XVIe, XVIIe, XVIIIe siècles", Musée des Arts Décoratifs, Flammarion, Paris, 1984, p. 44. Ces pièces d’orfèvrerie, conçues dans un style rocaille assagi, illustrent le raffinement prêté aux grandes tables françaises, donnant alors le ton à toutes les cours européennes.

Dès la Régence, la table du duc d’Orléans est célébrée pour la richesse de ses mets et la qualité des conversations qui s’y tiennent. François Massialot (1660-1733), officier de bouche du Régent, connu pour être l’inventeur de la crème brûlée et avoir laissé plusieurs traités de gastronomie, est à l’origine de son succès. Dans son "Dictionnaire de la cuisine française", Alexandre Dumas explique le succès de la table du Régent : "C’est à ses petits soupers, c’est aux cuisiniers qu’il forma, qu’il paya et traita si royalement et si poliment, que nous devons l’excellente cuisine du XVIIIe siècle. Cette cuisine tout à la fois savante et simple, que nous possédons aujourd’hui perfectionnée et complète."

Pierre Delorme (Français, 1716-1775)
Portrait de Louis-Philippe Joseph, duc d'Orléans (1747-1793)

Toile ovale mise au rectangle.
En haut à gauche, un ancien numéro d'inventaire.
Au dos, marque de la collection de Louis-Philippe (LPO) et cachet de la collection Belmont.

Haut. 43,5 Larg. 35,5 cm.
Cadre en bois sculpté redoré à queues de cochon, travail français d'époque Louis XV.

Provenance :
- collection du roi Louis Philippe au château d'Eu ;
- probablement au Palais Royal en 1826 ( décrit par Vatou à cette date, T.II n° 236/11) ;
- collection Belmont, Belmont House (résidence du roi Louis Philippe à Londres après la révolution de 1848) ;
- vente Paris, Palais Galliera, 26 mai 1972, n°51 (reproduit en pleine page).

Pierre Delorme. A portrait of Louis Philippe Joseph, Duke of Orléans. On an oval-turned-rectangle canvas. In a Louis XV carved giltwood frame.

Un autre tableau de Delorme, portrait de Louis-Philippe Joseph II, duc de Chartres, reprise d'un portrait de Tocqué, était récemment exposé à la TEFAF de Maastricht. Il provenait également des collections de Louis-Philippe.

Antoine Vestier (Français, 1740-1824)
Portrait de Caroline de Fontanges, 1787

Toile ovale.
Signée et datée.
Titrée sur une étiquette au dos.

Haut. 64 Larg. 53 cm.
(rentoilé)
Cadre de style Louis XVI (Haut. 84,5 Larg. 74 cm).

Provenance :
- Vicomte et Vicomtesse de Fontanges ;
- leur petit-fils, Charles-François Amable, marquis de Fontanges ;
- par descendance.

Antoine Vestier, 1787. An oval portrait of Caroline de Fontanges. Signed and dated. In a Louis XVI style frame.

Bibliographie : Anne-Marie Passez, "Antoine Vestier", Paris, La Bibliothèque des Arts, 1989, reproduit à la fig. 63.

Caroline Lefebvre (1767-1847) épouse en 1782 à Saint-Domingue le colonel François, Vicomte de Fontanges (1740-1822), héros de la Guerre d'Indépendance américaine et major général des troupes et milices de l'Ile.

Antoine Vestier (Français, 1740-1824)
Portrait d'Amable de Fontanges, 1787

Toile.
Signée et datée en bas à gauche.
Titrée sur une étiquette au dos.

Haut. 37,5 Larg. 23 cm.
(rentoilé)
Dans un cadre en bois doré d'époque Louis XVI (Haut. 60 Larg. 51,5 cm).

Provenance :
- Vicomte et Vicomtesse de Fontanges ;
- leur petit-fils, Charles-François Amable, marquis de Fontanges (1822-1907), fils du modèle ;
- par descendance.

Bibliographie : Anne-Marie Passez, "Antoine Vestier", Paris, Bibliothèque des Arts, 1989, reproduit à la fig. 64.

Antoine Vestier, 1787. A portrait of Amable de Fontanges. Signed and dated. In a Louis XVI giltwood frame.

Amable, comte de Fontanges (1784-1826), dont le portrait a également été réalisé par Danloux en 1795 (vente Maison R&C, Paris, 11 décembre 2021, n°205), est capitaine de voltigeurs sous le Ier Empire. Il est colonel, commandant le 55e de ligne lors de la campagne d'Espagne de 1823, sous les ordres du duc d'Angoulême.

Ecole française vers 1820
Portrait de la famille royale

Toile et châssis d'origine.

Haut. 62 Larg. 50,5 cm.
(restaurations anciennes, manques et soulèvements)
Sans cadre.

French School, ca. 1820. Portrait of the royal family. Original canvas and stretcher, frameless.

Antoine Louis Barye (Français, 1796-1875)
Guerrier Tartare arrêtant son cheval

Bronze à patine verte antique aux reflets métalliques.
Signé "Barye" à la base au niveau de l'antérieur droit.
Modèle créé en 1845, épreuve posthume, sans doute de Barbedienne.

Haut. 35,5 cm.

Provenance : collection particulière, acquis auprès de M. Mauvy, antiquaire à Loches dans les années 1990.

Antoine Louis Barye. A bronze sculpture of a Tatar warrior on horseback. Signed. A posthumous cast, probably by Barbedienne, of a model created in 1845.

Oeuvre en rapport : Antoine Louis Barye, Guerrier Tartare à cheval, 1845, Haut. 34,5 Larg. 35,5 cm, Musée d'Orsay, OA 6368.

Bibliographie :
- Michel Poletti, Alain Richarme, "Barye. Catalogue raisonné des sculptures", Paris, Gallimard, 2000, n°10, p. 76 ;
- Pierre Kjellberg, "Les bronzes du XIXe siècle, dictionnaire des sculpteurs", Paris, Editions de l'Amateur, 1987, p. 56 n° 4 ;
- Anne Pingeot, Antoinette Le Normand-Romain, Laure de Margerie, "Catalogue sommaire illustré des sculptures", Paris, Réunion des musées nationaux, 1986, p. 47.

Le "Guerrier Tartare arrêtant son cheval", dont une épreuve est conservée au Musée d'Orsay, est une figure emblématique dans l'oeuvre romantique de Barye. Célébré pour sa sculpture animalière à partir du Salon de 1831 avec son "Lion dévorant un gavial", il s'inscrit ici dans la tradition de la sculpture équestre.
Barye crée le modèle en 1845 et le nomme tout d'abord "cavalier chinois". Il en modifie plusieurs fois les états, en reprenant l'allure du cheval, travaillant son harnachement et gonflant le soufflet du casque pour en renforcer la fougue. Il offre avec ce travail une image mouvementée et synthétique d'un cheval demi-sang tête baissée, dont l'énergie est maîtrisée par son cavalier. Les fontes anciennes, tirées par l'atelier de Barye entre 1858 et 1875, présentent un bronze riche en cuivre, dont la densité offre une ciselure nerveuse rehaussée par une patine stable dans le temps, dont les teintes varient pour chaque exemplaire.

Auguste Raffet (Français, 1804-1860)
Bonaparte arrivant en Italie harangue l'armée

Toile d'origine.
Signée en bas à gauche.

Haut. 82 Larg. 116,5 cm.
(restaurations et accidents)
Cadre en bois doré à palmettes (Haut. 99 Larg. 134 cm).

Provenance : collection bordelaise.

Auguste Raffet. A painting depicting Bonaparte haranguing the army. In a giltwood frame.

"Soldats, vous êtes nus, mal nourris ; le Gouvernement vous doit beaucoup, il ne peut rien vous donner. Votre patience, le courage que vous montrez au milieu de ces roches sont admirables ; mais il ne vous procure aucune gloire, aucun éclat ne rejaillit sur vous. Je veux vous conduire dans les plus fertiles plaines du monde. De riches provinces, de grandes villes seront en votre pouvoir ; vous y trouverez honneur, gloire et richesses. Soldats d’Italie manqueriez-vous de courage ou de constance ? »
Proclamation de Bonaparte au début de la 1ère campagne d'Italie, Nice le 27 mars 1796.

Neveu d'un général d'Empire, Raffet est l'un des principaux illustrateurs de la légende napoléonnienne. Le thème de notre toile est celui de la première campagne d'Italie, qui vit un général de 25 ans à la tête d'une armée de composition battre successivement sept armées et apporter la victoire à la République, mettant ainsi fin à la première coalition. La toile est à rapprocher des planches 215 et 215 bis de l'oeuvre lithographique du peintre, représentant Bonaparte arrivant en Italie, sur un plateau des Alpes, une main sur son sabre et montrant de l'autre les plaines de Lombardie à son armée.

François Gabriel Lépaulle (Français, 1804-1886)
La Revue des Aigles le 10 mai 1852 sur le Champ-de-Mars, 1853

Toile.
Signée en bas à droite.

Haut. 99 Larg. 104,5 cm.
(restaurations)
Cadre en bois et stuc doré orné de frises de laurier (Haut. 133 Larg. 175 cm).

Provenance :
- achat privé pour les appartements particuliers de S.M. l’Empereur, d’après « Le mémorial bordelais : feuille politique et littéraire », du 18 mai 1853 ;
- offert par l’Empereur Napoléon III, d’après la tradition familiale, à un membre de son clan corse, possiblement Jules Pasqualini ;
- collection de la famille Marchioni, depuis la fin du XIXe siècle ;
- par héritage, collection particulière, Chartres.

François Gabriel Lépaulle, 1853. A painting depicting the May 10, 1852 distribution of Imperial Eagles and review of troops by Prince Louis-Napoléon Bonaparte on the Champ-de-Mars. In a gilded wood and stucco frame.

Ecole américaine dans le goût de Edward Hicks (Américain, 1780-1849)
Peaceable Kingdom

Toile d'origine.
Signé en bas : Stelo (?)

Haut. 95 Larg. 106 cm.
(restaurations anciennes)

American School, in the manner of Edward Hicks. A painting entitled "Peaceable Kingdom". Signed (Stelo?).

Notre tableau est à mettre en rapport avec la composition conservée au Musée de Boston.

Dionisio Rodriguez, actif à Mexico à la fin du XIXe siècle
Selle dite de Pancho Villa, c. 1900

en cuir brun, dite "silla de cantinas", sur une âme de bois, avec sacoches à rabats et quartiers réhaussés de fils d'argent, renforts et glands en métal argenté. Décor d'entrelacs et de végétaux stylisés. Signée sur une étiquette sur le troussequin "Antigua Fusteria / Del callejon de la Higuera Letra A. / Dionsio Rodiguez / Mexico". Arçon en cuir recouvert d'une fine peau de tambour, pommeau en soucoupe et troussequin renforcés de métal argenté.

Haut. 89 Long. 64 Prof. 33 cm.
Sur un support en bois.

Jointe : une paire d'étriers en bois et cuir.
Haut. 13 Long. 25 Prof. 13 cm.

Provenance : collection Patrick Picard (1951-2022), artiste créateur sur cuir, Vendée ; par descendance.

Dionisio Rodriguez, ca. 1900. A wood and leather saddle with silver ornaments said to have belonged to Pancho Villa.

Pierre-Jules Mène (Français, 1810-1879)
Le fauconnier arabe

Bronze à patine brune.
Signé sur la terrasse "P.J. Mène" et numéroté "245" à l'arrière.
Probable tirage de son vivant ou avant 1894 dans l'atelier de l'artiste.

Haut. 79 cm.

Pierre-Jules Mène. A bronze sculpture of The Arab Falconer. Signed and numbered. Presumably cast before 1894.

Modèle reproduit in Pierre Kjellberg "Les bronzes du XIXe siècle, Dictionnaire des sculpteurs", Les Editions de l'Amateur, Paris, 1987, page 477.

Le modèle en bronze du " Fauconnier arabe à cheval" est présenté au Salon de 1874 sous le titre "Chasse au faucon" après la présentation du modèle en cire l'année précédente. Ce sujet reflète l'intérêt de Mène pour les animaux, qu'il traite avec une réelle approche anatomique, que ce soit pour le cheval ou pour le faucon. Le cheval occupe une place prépondérante dans le corpus de Pierre-Jules Mène : il constitue le coeur du sujet, qu'il soit seul ou présenté avec des figures humaines. Tout comme Barye, Mène dispose de son propre atelier pour effectuer la fonte et la ciselure de ses bronzes. Après sa mort et celle de son gendre Auguste Caïn en 1894, les droits de reproduction de ses oeuvres sont acquis par l'entreprise Susse Frères, qui en effectue les tirages. Après cette date, les éditions portent désormais la mention "Susse fondeur éditeur, Paris".

Michel-Ange Houasse (Français, 1681-1730)
Calypso accueillant Télémaque et Mentor dans son île

Toile.
Porte une ancienne attribution à Coypel.

Haut. 49 cm Larg. 60 cm.
Cadre en bois doré avec cartouche de Noël Coypel (1628-1707) (Haut. 66 Larg. 75 cm) .

Provenance : collection parisienne.

Michel-Ange Houasse. A painting depicting Calypso welcoming Telemachus and Mentor to her island. In a giltwood frame bearing a "Noël Coypel" name plate.

Notre tableau est l'esquisse pour le carton de tapisserie de Michel-Ange Houasse déposé par le musée du Prado au musée de Grenade (Haut. 320 Larg. 307 cm, voir catalogue de l'exposition Miguel-Angel Houasse, 1680-1730 : pintor de la Corte de Felipe V, Delegación de Cultura Patrimonio nacional, Madrid, 1981, p.118, n°13). L'ambassade d'Espagne à Paris conserve un autre grand carton, Le banquet de Calypso et Télémaque, également déposé par le musée du Prado. Formé par son père René-Antoine Houasse, donc dans le milieu des peintres qui ont décoré le Trianon de Marbre, Michel-Ange est reçu à l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1707. Il s'installe à Madrid en avril 1715 et est nommé Pintor de Cámara de Philippe V. Il est le plus important peintre d'histoire et de scènes de genre de la cour d'Espagne des Bourbon et considéré, avec le portraitiste Jean Ranc, comme un artiste exemplaire de la diffusion de l'art versaillais en Europe. La commande de la série sur l'histoire de Télémaque est à situer à la fin de sa vie, vers 1730. Déjà malade, elle restera inachevée. Le sujet est tiré du livre de Fénelon publié en 1699.

Nous remercions Monsieur François Marandet d'avoir proposé cette attribution à Michel-Ange Houasse, d'après photographie numérique.

François Marius Granet (Aix en Provence, 1775-1849)
Raphaël et la Fornarina, 1823

Toile.
Signée en bas à droite et datée 1823.
Au dos, inscription ancienne "Raphael et la Fornarina" et la marque "Galerie de la Madeleine/Tostain".

Haut. 64 Larg. 50 cm.
(restaurations anciennes)
Cadre en bois sculpté doré, travail italien du XIXe siècle (Haut. 94 Larg. 79 cm).

Provenance : château du Lochois.

François Marius Granet, 1823. A painting depicting Raphael and the Fornarina. Signed and dated. In an Italian 19th C. carved giltwood frame.

Raphaël et la Fornarina est un thème maintes fois repris, en particulier par les artistes du XIXe siècle, comme dans la célèbre représentation d'Ingres datant de 1815, conservée au Fogg Art Museum de Cambridge. Beaucoup de mystères entourent pourtant la vérité sur les relations existant entre le peintre de la Renaissance et cette Fornarina, "la boulangère". Jean Pierre Cuzin, dans Raphaël Vie et oeuvre, évoque "On a parfois identifié cette boulangère, sans trop de sécurité , avec une certaine Margherita, fille d'un boulanger romain nommé Francesco". Ce dont on est certain, c'est que Raphaël a aimé cette femme, qui était pour lui comme une muse. Néanmoins, celle-ci se rapproche plus de la figure de la maîtresse du peintre, faisant de cette thématique un sujet proche d'une allégorie d'un amour passionnel, mais interdit.

Il existe un dessin de ce sujet, par Granet, passé en vente chez Sotheby's le 1er juillet 1995, n°286 (plume et lavis brun, Haut. 29 Larg. 18 cm).

Marie-Geneviève Bouliard (Française, 1763-1825)
Portrait d'homme en buste portant une redingote bleue

Toile.
Signée en bas à droite.

Haut. 55 Larg. 46 cm.
(petit accident)
Cadre en bois et stuc dorés à décor de frises de perles et de feuilles d'eau (Haut. 61,5 Larg. 52,5 cm).

Provenance : collection parisienne.

Marie-Geneviève Bouliard. A portrait of a man in a blue frock coat. Signed. In a gilded wood and stucco frame.

Marie-Geneviève Bouliard naît en 1763 à Paris. Fille unique et évoluant dans un milieu aisé, elle se forme à la peinture dans l'atelier de Joseph Siffred Duplessis. Madame Bouliard fait partie des rares femmes admises à l'Académie royale de peinture et est donc autorisée à présenter ses oeuvres aux Salons. Elle est très prolifique durant la période révolutionnaire et se fait une place parmi les portraitistes de son temps. On peut inscrire Marie Geneviève Bouliard dans la continuité de la voie ouverte par la célèbre portraitiste Elisabeth Vigée Le Brun aux femmes artistes de cette fin de XVIIIe siècle. Bien que sa vie ait été peu documentée, on sait que son travail plaît aux critiques ; elle reçoit notamment le prix d'encouragement du Salon de 1791.

Attribué à Jeanne-Elisabeth Chaudet (Française, 1767-1832)
Une petite fille voulant apprendre à lire à son chien

Toile.

Haut. 91 Larg. 72,5 cm.

Attributed to Jeanne-Elisabeth Chaudet. A painting entitled "Une petite fille voulant apprendre à lire à son chien" ("A little girl teaching her dog how to read").

Jeanne-Elisabeth Chaudet connaît un franc succès de son vivant grâce à ses représentations de l'enfance particulièrement touchantes. Elle expose régulièrement au Salon de 1798 à 1817. Ses toiles mettent en scène de jeunes enfants dans des occupations familières, prenant aussi bien comme modèle de jeunes anonymes que la petite Marie-Laetitia Murat (Versailles, château de Versailles) ou d'autres enfants des grandes familles de l'Empire.

Dès son deuxième Salon, en 1799, elle rencontre un grand succès tant auprès du public que de la critique, avec "Une petite fille voulant apprendre à lire à un chien", dont notre toile est une autre version. La charmante enfant est présentée au petit matin, encore en chemise de nuit et pieds nus, dans toute la fraîcheur et la naïveté de son âge. Tenant fermement son petit chien sur les genoux, elle lui apprend, le plus sérieusement du monde, à déchiffrer l'alphabet, avec la candide certitude que cette leçon portera ses fruits. L'image est animée dans un discret rayon lumineux qui sépare l'extérieur et la pièce, caresse le livre et la corbeille de fruits, et équilibre l'ensemble.

D'autres versions de cette composition sont connues, de dimensions similaires, une signée (Hôtel Drouot, vente collégiale, 12 novembre 2015, n°35), une autre non signée (Paris, étude Audap et Mirabaud, vente le 28 mars 2012, lot 81), une version en petit (panneau, Haut. 37 Larg. 26,8 cm, vente Me Lombrail et Teucquam, 18 juin 2008, lot 6).

Claude Joseph Vernet (Français, 1714-1789)
Naufragés sur une côte rocheuse, 1780

Cuivre.
Signé et daté en bas à gauche 'J. Vernet f. 1780'.

Haut. 39,4 Larg. 55,3 cm.
Cadre à godrons en chêne sculpté et doré d'époque Louis XVI, n°482.

Provenance :
- acheté par le Duc de Liancourt le 30 décembre 1780 pour mille deux cents livres ;
- ancienne collection du professeur Emile Aron (1907-2011), doyen de la faculté de Médecine, Tours.

Claude Joseph Vernet, 1780. A painting depicting shipwreck victims on a rocky shore. On a copper plate. In a Louis XVI carved and gilded oakwood frame.

Bibliographie :
- Léon Lagrange, Joseph Vernet et la peinture au XVIIIe siècle : les Vernet avec le texte des Livres de Raison, 1864, p.371, n°219 : "Le 30 (décembre 1780) j'ay reçû de M. le duc de Liancourt pour un petit tableau sur cuivre représentant deux cadavres sur un rocher isolé au bord de la mer 1200 l(ivres)" ;
- Florence Ingersoll-Smouse, Joseph Vernet (1714-1789), peintre de marine : Etude critique suivie d'un catalogue raisonné de son œuvre peint, T.II,1926, page 116, n°1047. Fin de tempête : "Deux cadavres sur un rocher isolé au bord de la mer." - "Petit tableau sur cuivre."

Pieter Wouwerman (Néerlandais, 1623-1682 )
Halte près d'une chaumière

Toile marouflée sur panneau de chêne.

Haut. 52 Larg. 72 cm

Cadre en bois sculpté redoré du XVIIIe siècle.

Provenance : château du Lochois.

Pieter Wouwerman. A painting depicting a stop next to a thatched cottage. Oil on canvas on wood. In an 18th C. carved giltwood frame.

Jan Brueghel l’Ancien, dit Brueghel de velours (Flamand, 1568-1625)
et Jan II Brueghel (Flamand, 1601-1678)
Village au bord d'un fleuve
Paysage à l'embarcadère

Paire de cuivres.

Haut. 18,5 Larg. 22,5 cm.
Cadres en bois sculpté doré, travail français d'époque Louis XIV.

Provenance :
- Collection de Mme X ;
- Collection Roger Aubert, Besançon 1952 ;
- Collection Louis Henri Girard (1881-1973) industriel à Champagnol, Jura ;
- par descendance, collection particulière, Tours.

Jan Brueghel The Elder and Jan Brueghel The Younger. Two oil on copper paintings depicting a Landscape with a wharf and a Village on a rivershore. In French Louis XIV carved giltwood frames.

Jan Brueghel l'Ancien a peint de nombreuses scènes de ports ou de marchés aux poissons, des paysages fluviaux de l'Escaut, où il a aimé décrire les embarcations et les couleurs changeantes des étendues d'eau au second plan, le reflet d'un rayon de soleil perçant entre les nuages. Le passage d'une rive à l'autre et le paiement du bac sont souvent évoqués. Les embarcations sont surchargées, les passagers attendant de pouvoir accoster après la traversée, on débarque des marchandises. Ces sujets ont été repris par son fils, qui en a conservé le subtil rendu atmosphérique, la finesse d'exécution, l'ampleur infinie du paysage et les qualités de miniaturiste.

Le Village au bord d'un fleuve est une reprise du tableau de Jan Brueghel l'Ancien en collection particulière (Klaus Ertz et Christa Nitze-Ertz, Jan Brueghel der Altere (1568-1625), Luca Verlag Lingen, 2008, vol. I, p.309, n°147). On connait une autre version de Jan Brueghel le jeune du second, Paysage à l'embarcadère, au musée Poldi Pezzoli à Milan (Klaus Ertz, Jan Brueghel der Jüngere, The Paintings with Oeuvre Catalogue, Luca Verlag Ed., 1984, vol. 1, p. 229, n°47). Il s'inspire d'un tableau de son père de 1604, conservé au sein d'une paire au Musée de Nantes (Ertz 2008, op. cit., p. 256, n°113), ayant appartenu auparavant au roi Louis XIV, puis déposé à Nantes en 1804.

Nous remercions la Dr. Ursula Härting d'avoir confirmé l'authenticité de ces tableaux, par examen direct, le 17 avril 2024. Elle précise que pour le Village au bord du fleuve, la participation de Jan Brueghel l'Ancien est importante : lui reviennent l'essentiel des arbres ainsi que les personnages sur la berge, tandis que ceux dans la barque au premier plan seraient de son fils.

Dans le Paysage à l'embarcadère, elle note que le "feuillé" des branches jaunies à l'extrême droite ainsi que celle en haut à droite ne peuvent revenir qu'à Jan I l'Ancien. La trouée lumineuse au second plan est d'une haute qualité. Elle relie ces tableaux à une mention du journal de Jan II Brueghel, où il est indiqué qu'il a acheté à deux reprises quatre cuivres commencés par son père, sans que l'on connaisse les sujets ni l'état d'achèvement de ces tableaux. Son père étant mort en 1625, il les a achetés, d'après une transcription du XVIIIe siècle de son journal, au moment du partage de l'héritage, probablement vers 1626-27, pour 23 et 19 gulden (voir Ursula Härting, Der buchhalterische Jan Brueghel der Jüngere (1601?1678) und sein Journal (ca. 1625?51), in Der Künstler als Buchhalter. Serielle Aufzeichnungen zu Leben und Werk, Petersberg 2024, pp. 53-66).

Un certificat du Dr Ursula Härting sera remis à l'acquéreur.

Attribué à Baldassarre de Caro (Italien, 1689-1750)
Nature morte à l'outarde et geai
Nature morte au colvert

Paire de toiles.

Haut. 94 et 95 Larg. 75 et 73 cm.
Cadres en bois et stuc doré à palmettes (Haut. 110,5 Larg. 89,5 cm, légèrement accidentés).

Provenance : château du Lochois.

Attributed to Baldassarre de Caro. A pair of still life paintings depicting a bustard and a jay for one and a mallard for the other. In gilded wood and stucco frames.

Ecole flamande vers 1670
Suiveur de Jan Davidsz de Heem (Néerlandais, 1606-1684)
Natures mortes au perroquet et au homard

Paire de toiles.

Haut. 111 Larg. 96 cm chacune.
(restaurations anciennes)
Cadres en bois sculpté, laqué rouge et doré (127 x 112,5 cm).

Provenance : ancienne collection belge établie dans un château du Lochois.

Flemish School, ca. 1670. A pair of still life paintings by a follower of Jan Davidszoon de Heem. In red and gilt lacquered wood frames.

Nos deux toiles formaient une seule composition à l'origine.

David Teniers II le Jeune (Flamand, 1610-1690)
Intérieur de ferme

Toile.
Signé en bas à droite « D. Teniers ».

Haut. 42 Larg. 58 cm.
Cadre en bois sculpté redoré d'époque Louis XIV (Haut. 66,5 Larg. 81 cm).

Provenance :
- collection de Mme X ;
- collection Roger Aubert, restaurateur de peintures (expert Robert Lebel à Paris), Besançon, 1952 ;
- collection Louis Henri Girard (1881-1973), industriel à Champagnole, Jura ;
- par descendance, collection particulière, Tours.

David Teniers the Younger. A painting depicting the interior of a farm. Signed. Louis XIV carved and regilted wooden frame.

Ecole vénitienne du XVIIe siècle, entourage de Marco Liberi (Italien, c.1640 - 1687)
Diane

Toile ovale mise au rectangle.

Haut. 71 Larg. 65 cm.
Riche cadre en bois sculpté et doré (Haut. 91,5 Larg. 85 cm, petits manques)

Venitian School, 17th C. By the entourage of Marco Liberi. A portrait of goddess Diana. Oval-shaped canvas turned into a rectangle. In a carved giltwood frame.

Ecole française vers 1640, entourage de Nicolas Mignard (Français, 1606-1668)
Sainte Marie-Madeleine en prière

Toile.

Haut. 94,2 Larg. 79,2 cm.
(restaurations anciennes)

French School, ca. 1640. By the entourage of Nicolas Mignard. A painting of Saint Mary Magdalene at prayer.

On pourra rapprocher notre Madeleine du tableau de l'ancienne collection Thierry et Christine de Chirée (vente Neuilly, Me Aguttes, 29-30 mars 2011, n° 406, reproduit).

Attribué à Mattia Preti (Italien, 1613-1699)
Un philosophe antique, probablement Socrate

Toile.
L'inscription sur la tablette "VNA COSASO CHE IO NO SO" ("Une chose que je ne sais pas"), semble désigner le philosophe grec Socrate.

Haut. 133 Larg. 98,5 cm.
(restaurations anciennes et manques)

Attributed to Mattia Preti. A portrait of an ancient philosopher, probably Socrates.

Franz Hochecker (Allemand, 1730-1782)
Paysage des bords du Rhin, 1761

Toile.
Signée et datée en bas à gauche.
Sur le châssis, marque au feu du château de Chanteloup, propriété du duc de Penthièvre.

Haut. 50,5 Larg. 66 cm.

Provenance : vente Me Odent, Tours, 7 mai 1979, n°17.

Franz Hochecker, 1761. A painting of a Rhine landscape. Signed. Branded "Château de Chanteloup".

Namur, milieu du XVIIIe siècle
Commode

en chêne mouluré et sculpté, de forme mouvementée en façade, ouvrant par deux tiroirs encadrés de montants galbés, reposant sur des pieds aux enroulements extérieurs. Les poignées de tirage sont sculptées de têtes d’hommes aux visages individualisés, encadrées d’enroulements d’acanthe et surmontées de coquilles asymétriques. Le tablier et les montants sont à décor de chutes rocaille et d’agrafes.
Dessus mouluré d’un bec de corbin, à décor de faux marbre présentant des angles arrondis en ressaut.

Haut. 87 Larg.130 Prof. 66 cm

Provenance : collection de Sologne.

Namur, mid-18th C. A carved oakwood chest of drawers. Faux marble top.

Travail d'époque Louis XIII
Miroir à fronton et parcloses

en laiton repoussé, placage de ronce de noyer et ébène. La partie supérieure décorée de trois aigles sous une couronne comtale dans un entourage de guirlandes feuillagées. La glace au mercure biseautée est soulignée de frises végétales, les angles et les points cardinaux d'ornements floraux.

Haut. 143 Larg. 94 cm.
(glace postérieure, restaurations)

Provenance : château du Lochois.

Louis XIII. A brass, burled walnut and ebony mirror.

Japon, époque Edo, style Transition
Coffre aux pagodes, c. 1639-1645

en laque à décor en makie, or sur fond noir, de cartouches sur la façade, les côtés et le dessus du plateau ornés de pagodes, paysages inspirés des huit vues d’Omi et de branchages. Les bords ceints d’une frise géométrique de fleurs à quatre pétales et les extrémités du couvercle de motifs de môns sur fond nashiji, aventurine. L’arrière présente un décor en makie, or sur fond noir, d’oiseaux dans des branchages, contenu dans un encadrement de frise géométrique.
L'intérieur et le revers du plateau en laque à fond rouge, avec un décor à l’or de fleurs et d'oiseaux.
Les coins, la plaque de serrure et les poignées sur le côté en laiton finement gravé de fleurs.
Serrure européenne.

Haut. 66,5 Larg. 154 Prof. 74,5 cm.
(restauration)

Il repose sur deux patins postérieurs en bois noirci. Haut. totale 80 cm.

Provenance :
- probable commission de François Caron, responsable du comptoir de la V.O.C. au Japon ;
- collection particulière, Pays Bas.
Certificat Art Loss Register, Londres, 12 avril 2024.

Japan, Edo-Period. A Transition style lacquer chest. Brass mounts. European lock. Identical to a chest kept in the Royal Collections of Denmark since the 17th century.

Œuvres en rapport : le pendant de ce coffre est conservé dans les collections royales du Danemark depuis le règne de Frederik III, inventorié en 1674 dans le Kunstkammer du souverain sous le numéro 20 ou le numéro 62 (Musée national du Danemark, Copenhague, inv. EAc 104).

Bibliographie :
- Impey et Jörg, "Japanese Export Lacquer 1580-1850", Hotei Publishing, Amsterdam, 2005, le coffre du Danemark reproduit p. 94 sous le n°131.
- Meiko Nagashima, "Export Lacquer: Reflection of the West in Black and Gold Makie = Japan Makie , Kyoto National Museum, Kyoto, 2008, le coffre du Danemark reproduit sous le n°67.

Ecole génoise du XVIIIe siècle
Jupiter et Junon

en bois sculpté et doré.
Paire de statues.

Haut. env. 68 et 66 cm.
(petits accidents et manques à la dorure).
Sur des socles en plâtre. Haut. totale 102,5 et 100,5 cm.

Provenance : collection parisienne.

Genoese School, 18th C. A pair of carved giltwood sculptures of Jupiter and Juno. On plaster bases.

Wagner à Berlin, deuxième moitié du XIXe siècle
d’après Christian Seybold (1695-1768)
Portrait d’homme à la coiffe de fourrure

peint sur plaque de porcelaine de la manufacture royale de Berlin.
Signé "Wagner" en bas à droite.
Marqué en creux : sceptre et K.P.M.
Cachet de marchand d'art Max Sinz à Dresde.

Haut. 27,7 Larg. 22,8 cm.

Provenance : collection de Sologne.

Wagner in Berlin, second half of the 19th C. A portrait of a man wearing a fur hat, after Christian Seybold. On a porcelain plate from the Royal Porcelain Factory in Berlin.

Le panneau sur cuivre de Christian Seybold est conservé à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde.

Goyer et Imbert, époque Transition Louis XV-Louis XVI
Régulateur de cheminée

en vernis parisien à l'imitation de la laque de Chine. De forme violonnée, à décor de fleurs et de pagodes chinoises, il est surmonté d'une sphère armillaire en bronze doré. Le cadran supérieur servant d'horloge émaillé blanc est signé "Imbert l'Ainé", il indique les heures en chiffres romains et les minutes en chiffres arabes.
Balancier compensé "à gril" supportant un second cadran avec fonction de baromètre probablement postérieur.
Riche ornementation de bronzes dorés à motifs d'acanthe, têtes de béliers, mufle de lion, guirlandes de fleurs et de laurier, rinceaux, frise de postes et de godrons.
Estampillé sous la base : "J.GOYER" et "JME".

Ebéniste : Jean Goyer, reçu maître à Paris le 12 décembre 1760.
Horloger : Jean Gabriel Imbert, reçu maître le 22 novembre 1776.
Epoque Transition Louis XV-Louis XVI.

Haut. 73 cm.
(restaurations, accidents et manques dans le vernis, les aiguilles du baromètre manquantes)

Provenance : collection particulière, Lyon.

Goyer and Imbert. A Louis XV-Louis XVI Transition Period ormulu-mounted japanned long case clock topped by an ormolu armillary sphere.

Bibliographie : un modèle proche reproduit in Pierre Kjellberg, "Encyclopédie de la pendule française du Moyen Age au XXe siècle", Editions de l'Amateur, Paris, 1997, page 307.

François, le père de Jean Goyer, est réputé d'après Kjellberg avoir créé le modèle de notre pendule. Ebéniste parisien reçu maître en 1740, il exerce rue du Faubourg-Saint-Antoine à "L'Autruche", avant de se fixer rue de Charonne à "l'Eau qui dort". Il produit des boîtes d'horloge laquées dans le goût chinois, ornées de bronzes rocaille. Son inventaire après décès en 1763 compte pas moins de trois pendules et 26 "boëtes de cadran", dont 16 "plaquées en bois pour vernir". Son fils Jean poursuit la production de gaines d'horloges durant une vingtaine d'années rue de Charenton. Egalement fondeur talentueux, il est condamné en 1766 par les jurés ciseleurs constatant qu'il loge chez lui des ouvriers bronziers, et est enjoint à choisir entre les deux professions. Sa collaboration avec son beau-frère René Dubois donne lieu à de spectaculaires réalisations, dont le célèbre secrétaire monumental dans la collection de James A. de Rothschild à Waddesdon Manor (Kjellberg, 1998, p.372).
Ce modèle de régulateur connaît un franc succès auprès des amateurs de l'époque, comme le duc de Choiseul, qui passe pour avoir commandé l'exemplaire figurant dans l'ancienne collection Morgan, dispersée en 1969.

Jean-Gabriel Imbert, dit Imbert l'Ainé (1735-1795), commence comme compagnon, puis exerce comme ouvrier libre, avant d'être reçu maître le 22 novembre 1776. Il dépose le bilan en 1784 mais poursuit ses activités. Il exerce carrefour de la Roquette en 1767, puis rue Planche-Mibray en 1781, rue des Arcis en 1784 et rue de Monceau en 1795. Il réalise des pendules de belle qualité et utilise des caisses de J. Goyer, N. Bonnet, M. Poisson ou des Osmond, certaines dorées par Le Cat et H. Martin. (Jean Dominique Augarde "Les ouvriers du Temps", Editions Antiquorum, Genève, 1996, p. 334 à 337).

Jacques Bircklé (Français, 1734-1803)
Commode d'époque Louis XVI

en placage d'acajou et acajou moucheté ouvrant par trois tiroirs en facade. Les montants cannelés se terminent par des pieds fuselés.
Riche ornementation en bronze doré aux encadrements de tiroirs, prises mobiles, entrées de serrures, chutes d'angles, lingotière, bagues et sabots.
Estampillée : "J. BICKLE" et "JME".Birkle reçu maitre le 30 juillet 1764.
Dessus de marbre rouge des Pyrénées.
Numéro d'inventaire du XIXe siècle "R315" au dos.

Haut. 86,5 Larg. 118 Prof. 60 cm.

Jacques Bircklé. A Louis XVI ormolu-mounted mahogany and speckled mahogany veneer chest of drawers. Red marble top.

Bibliographie : à rapprocher d'un exemplaire reproduit dans Pierre Kjellberg, "Mobilier français du XVIIIe siècle", Editions de l'Amateur, Paris, 1989, page 75.

"Ancien ouvrier libre, Bircklé accède à la maitrise le 30 juillet 1764. Il exerce rue de Charenton puis rue Saint-Nicolas. Il travaille notamment pour Marie-Antoinette au château de Saint-Cloud, pour Madame Elisabeth à Montreuil ou pour le Duc d'Orléans. Il apparaît comme un ébéniste consciencieux recherchant davantage l'effet décoratif plutôt que le luxe et la préciosité. Il produit aussi des meubles plus simples et sans recherche particulière mais toujours d'une bonne qualité."
in Pierre Kjellberg, Mobilier français du XVIIIe siècle.

Chine, Compagnie des Indes - Epoque Kangxi (1662-1722)
Verseuse dans le goût "Imari"

en porcelaine émaillée polychrome de pivoines avec couvercle et monture métallique.
Montée en argent postérieurement.

Haut. 20 cm.
(éclats)

China, East India Company. A Kangxi Period Imari polychrome glazed porcelain coffee pot. Posterior silver mounts.

Vuidepot, fin du XVIIIe siècle
Sculpture pendule "Vénus, l'Amour et l'oiseau envolé"

en marbre blanc et bronze doré ciselé figurant l'amour remettant une colombe dans sa cage dorée devant Vénus alanguie. Le groupe entourant le cadran décoré par deux branches de rosier est bordé d'une frise d'oves et de dards, installé sur une terrasse en marbre blanc oblongue et rudentée, à décor de frise d'acanthe et de roses. Il repose sur huit pieds toupie.
Le cadran émaillé blanc signé "Vuidepot à Paris" figure les heures en chiffres romains, les minutes en chemin de fer, les minutes décimales en chiffres arabes, avec deux aiguilles en bronze ajouré. Une aiguille en acier noir indique le jour.
Suspension à fil.

Maximin Vuidepot (1752-1793), maître à Paris en 1782.

Haut. 51 Long. 61,5 Prof. 19,5 cm.
(usure et manques ; une colombe ainsi qu'une partie du pied de Vénus manquants)

Provenance : collection particulière, Loches.

Maximin Vuidepot. A late 18th C. ormolu and white marble clock depicting Venus, Cupid and a runaway bird.

Oeuvre en rapport : une pendule "Nymphe et amour devant une cage" par Furet, horloger du Roi, vers 1775-1800, conservée au Musée du Louvre, OA 5286.

Cette pendule borne à quantièmes traite le bronze de manière accessoire, afin d'offrir au groupe sculpté dans le marbre blanc une place prépondérante, qui lui vaut l'appellation de "sculpture pendule". Le thème de Vénus et l'Amour apparaît sous le règne de Louis XV avec des sculpteurs tels que Clodion, Jean-Baptiste Pigalle et Falconnet, et connaît son apogée sous le règne de Louis XVI. Ce thème est à la croisée du retour en grâce de l'antiquité et des scènes galantes de la première moitié du XVIIIe siècle. Une attention toute particulière est accordée au traitement du drapé de Vénus.

Travail de qualité de style Transition, XIXe siècle
Table de toilette de forme coeur

en placage de bois de violette et bois de rose, à ouverture mécanique par trois tiroirs violonnés et deux vantaux. Le dessus trilobé entouré d'une lingotière dévoile un abattant foncé d'un miroir intérieur dans une frise de grecques en cuir marqué au petit fer. Elle repose sur trois pieds cambrés terminés par des sabots feuillagés.
Ornementation en bronze doré : entrées de serrure et sabots en enroulement.

Haut. 70 Larg. 43,5 Prof. 46 cm.

Provenance : collection d'un château du Lochois.

French, 19th C. A Transition style ormolu-mounted heart-shaped mahogany veneer mechanical table.

Oeuvres en rapport : un modèle comparable de Gervais Maximilien Durand est reproduit in Christophe Payne, "Paris, la quintessence du meuble au XIXe siècle", éditions Monelle Hayot, Saint-Rémy, 2018, p. 159.

La table de toilette en forme de coeur est un meuble masculin, créé dans les années 1760 par Jean-François Oëben (Français, 1721-1763), dont l'inventaire en recense plusieurs exemplaires. L'une d'elle est reproduite dans Les cahiers du mobilier consacrés à l'ébéniste, en 2002, par les éditions de l'Amateur (p. 89). L'abattant orné d'un miroir ainsi que les compartiments sur les côtés permettent aux hommes de ranger leur nécessaire de toilette et de rasage.

Les meubles créés par Oëben se distinguent par leurs pieds cambrés et une ingénieuse mécanique. Quelques exemplaires de ces meubles sont produits au XVIIIe siècle, pour de prestigieux commanditaires, par des ébénistes comme Macret, Lacroix ou Topino. Au XIXe siècle, le modèle est réinterprété par plusieurs ateliers d'ébénisterie du faubourg saint Antoine, tels ceux de Zwinner ou de Gervais-Maximilien Durand (Français, 1839-1911), qui se distingue par une médaille d'argent à l'Exposition Universelle de Paris en 1889.

Travail de la fin du XVIIIe siècle, début du XIXe siècle
Grande pendule obélisque

en marbre blanc et bronze ciselé et doré à l'or moulu.
L'obélisque, surmonté d'une sphère armillaire, est orné à sa base d'un cadran émaillé signé "Jacquot A Paris", avec les heures et les minutes en chiffres arabes. Le cadran est surmonté d'un bas-relief en bronze doré avec deux nymphes portant le monde sur lequel trône Cupidon et soutenu par un autre bas-relief présentant deux lions réunis par une draperie. Les côtés sont décorés d'attributs guerriers et les arêtes soulignées par un liseré doré torsadé. La base est ornée d'un bas-relief en bronze doré avec une frise d'enfants dans le goût de Clodion.
Une terrasse quadrangulaire en marbre noir est entourée par quatre bornes dorées reliées par une chaîne.
Suspension à Brocot probablement rapportée.
De nombreux Jacquot sont référencés à Paris depuis le XVIIIe siècle, dont un établi en 1806 rue Saint-Martin.

Haut. 75 Long. 32,5 Prof. 19 cm.

Provenance : collection particulière, Loches.

Late 18th C.- early 19th C. A large ormolu and white marble obelisk clock. Topped with an armillary sphere. On a black marble base.

Oeuvre en rapport : Jean-Baptiste Thiéry, Pendule en forme de pyramide, 1785, Musée du Louvre, OA 5308.

Bibliographie :
- Pierre Kjellberg, "Encyclopédie de la pendule française", éditions de l'Amateur, Paris, 1997, un modèle comparable reproduit p. 219 ;
- "Egyptomania", catalogue d'exposition du Musée du Louvre, 20 janvier-18 avril 1994, édition de la RMN, Paris, un modèle comparable reproduit p. 137.

L'obélisque, érigé dans l'Antiquité Egyptienne à l'occasion des victoires militaires, devient un motif populaire en France à la fin du XVIIIe siècle. Sous le règne de Louis XVI, plusieurs modèles sommés d'un aigle couronné aux ailes déployées sont créés afin de célébrer la victoire de Yorktown, remportée par le général de Rochambeau et Georges Washington contre les troupes anglaises en Amérique. Le modèle se décline ensuite sous plusieurs variantes, avec notamment une sphère armillaire au sommet. Sa popularité ne cesse de croître sous le premier puis le Second Empire, portée par les campagnes napoléoniennes et l'Egyptomania.

Travail d'époque Transition Louis XV-Louis XVI
Commode sauteuse à ressaut central

en marqueterie de bouquet de fleurs et de vases à antique, ouvrant par deux tiroirs sans traverse. Les montants antérieurs figurent des cannelures simulées et les postérieurs, de section carrée, se terminent par des pieds galbés ; le tablier en cul de lampe.
Ornementation en bronze doré en partie d'époque aux prises mobiles, entrées de serrure, chutes d'angles, astragales, tablier et sabots.
Dessus de marbre rouge des Pyrénées.

Haut. 85 Larg. 94 Prof. 41 cm.
(restaurations)

Provenance : collection parisienne.

Louis XV-Louis XVI Transition Period. An ormolu-mounted high chest of drawers. Red marble top.

D'après Jean-Baptiste Claude Sené (Français, 1748-1803)
Très belle marquise
au modèle du salon de Compagnie de Madame Elisabeth à Montreuil, vers 1789

en bois sculpté et doré. Le dossier droit à la Reine présente un décor d’un rang de feuilles de chêne aux angles d’acanthes, souligné d’un rang de perles. Les supports d’accotoirs à balustres détachées sont ornés de cannelures à graines soutenues par des feuilles d’eau. La ceinture mouvementée en façade est également à rang de feuilles de chêne, soutenue par des pieds fuselés à feuilles d’eau, cannelures et rudentures à graines.
Estampille apocryphe "JB SENE".
Garniture de tapisserie dites aux couteaux et à passepoil.

Travail du qualité du XIXe siècle.

Haut. 94 Larg. 63,5 Prof. 71 cm.

Provenance : ancienne collection du Marquis de Chabrières, d'après le catalogue de sa vente chez Me Martin à Versailles le 22 février 1970, n°188 (reproduite).

19th C., after Jean-Baptiste Claude Sené. Beautiful carved giltwood marquise armchair modeled after Madame Elisabeth's Salon de Compagnie in Montreuil, ca. 1789. From the collections of Marquis de Chabrières.

La composition générale de ce siège n’est pas sans rappeler celle des deux bergères réalisées par Jean-Baptiste Claude Sené, pour le Salon de Compagnie de Madame Elisabeth à Montreuil (Louvre, OA 11164 et 11165). Par la richesse de leur ornementation, ces sièges sont en accord avec le décor souhaité par la sœur cadette de Louis XVI. Les bergères sont issues d’une suite comprenant deux canapés, six canapés « tête-à-tête », quatre bergères, quatre fauteuils « ronds en gondolle », dix-huit chaises dont six à carreaux, quatre voyeuses à genoux [ ] un écran à colonnes, et un paravent à six feuilles ». L’ordre de commande est passée à la veille de la Révolution, le 1er avril 1789. L’ensemble des sièges est à noter dans l’inventaire de 1790. Notre modèle réalisé dans le goût de cette série se distingue par ses supports d’accotoirs en balustre cannelés, tandis que le modèle d’origine offre des supports et des pieds torsadés. En revanche, les pieds de cette marquise sont la reprise exacte de la chaise en cabriolet pour le Salon des jeux du Roi à Compiègne (Louvre, OA 9412). Réalisée en 1790, elle se présente comme l’une des dernières commandes royales, alors que « Louis XVI était en résidence surveillée au palais des Tuileries » (in Bill G.B Pallot, « Le mobilier du Musée du Louvre », Paris, Faton, t.II, 1793, p. 180).

Louis-Auguste Marquis (Français, 1811-1885)
Exceptionnelle garniture de cheminée de style Louis XVI, c.1845

en bronze doré, finement ciselé, comprenant une pendule et une paire de cassolettes aux panses apprêtées et anciennement recouvertes de scagliola de couleur lapis-lazuli.
La pendule est surmontée d'un bouquet de fleurs de lys, tulipes et roses ; les anses à têtes de boucs, le cadran enrubanné dans un tors de laurier repose sur un piédouche feuillagé soutenu par une base de colonne cannelée et une plinthe en partie basse. Le cadran émaillé signé "Marquis à Paris" avec les heures en chiffres romains et les points "Avance Retard" à midi. Le mouvement à réserve de deux semaines porte les tampons des horlogers : "Farret A Paris" et "Pons médaille d'or1827".
Les cassolettes surmontées d'un fretel en pomme de pin, leurs anses à têtes de jeune boucs réunies par une guirlande fleurie, reposent sur un piédouche godronné dans un tors de laurier.

Bronzier : Louis-Auguste Marquis (1811-1885), associé de 1838 à 1844 à Gilbert-Honoré Chaumont (1790-1868), installé 25 rue Chapon à Paris, puis, sous le Second Empire, 66 boulevard de Strasbourg.
Horloger fabriquant : Pierre Honoré César Pons (1773-1851), qui relance l'activité horlogère à Saint-Nicolas d’Aliermont, est actif à Paris jusqu'en 1846, date à laquelle il vend son entreprise à Delepine.
Horloger finisseur : Farret & Cie, horloger actif à Paris, rue Chapon, entre 1840 et 1870.

Pendule : Haut. 82 Larg. 41 Prof. 24 cm.
Cassolettes : Haut. 61 Larg. 33 Prof. 22 cm.
(excellent état général ; petit accident au cadran, manquent les pistils d’un lys, finition bleue des oves en partie effacée)

Louis-Auguste Marquis, ca. 1845. A Louis XVI style ormolu mantel clock and pair of cassolettes.

Marquis, le bronzier des Princes

Le fabricant de bronzes Louis-Auguste Marquis (1811-1885) s’associe en 1838 à Gilbert-Honoré Chaumont (1790-1868), artisan en lustrerie. L'association est couronnée de succès. A l’Exposition des Produits de l'Industrie, ils reçoivent une médaille de bronze pour la création d’un ensemble composé de candélabres dans le style de la Renaissance, d’une pendule et d’un grand lustre à branches soutenues par des enfants et des chimères. Par la suite, la maison s’installe au n° 25 de la rue Chapon à Paris avant de déménager sous Napoléon III au 66 boulevard de Strasbourg. La maison devient le principal fournisseur des palais royaux et bénéficie du titre de « Fabricant du Mobilier de la Couronne » dans le domaine du luminaire.
La maison Chaumont, devenue « Chaumont Marquis », commence à diversifier ses productions avec la réalisation de bronzes d’ameublement de différents styles. Elle approvisionne les maisons Giroux et Beurdeley mais aussi la famille royale. Le feu du salon des Princes est ainsi livré en 1838 au Grand Trianon.

Seul à partir de 1844, Marquis livre au Palais Royal en 1855 une impressionnante paire de candélabres en bronze doré, "Enfants au silence", dont les lys et les guirlandes de fleurs rappellent le travail opéré sur notre garniture. On retrouve dans son travail des références aux grands bronziers du siècle précédent, comme la dynastie Osmond, Thomire ou encore Pierre Gouthière. Ainsi, les têtes de béliers de cette garniture s'inspirent de celles présentes sur une paire d’aiguières réalisée par Pierre Gouthière vers 1767 à 1770 (collection particulière) ou sur une cassolette en serpentine réalisée vers 1775, actuellement conservée au Musée du Louvre (OA 5179). Toutefois, notre garniture a également recours à des matériaux modernes issus de l'industrie, comme la tôle et la scagliola, pour imiter les pierres dures, particulièrement rares et coûteuses.

Frederic Remington (Américain, 1861-1909)
The Mountain Man

Bronze à patine brune.
Signé "Frederic Remington" sur le rocher.
Modèle créé vers 1903. Fonte posthume.

Haut. 103 cm.

Provenance : collection particulière berrichonne depuis le début du XXe siècle.

Frederic Remington. A bronze sculpture entitled "The Mountain Man". Signed. Model created around 1903, posthumous cast.

Oeuvre en rapport : modèle de plus petite dimension (70 cm) conservé dans les collections du Metropolitan Museum of Art (n°07.79).

Peintre, dessinateur et sculpteur de la vie quotidienne de l'Ouest américain, Remington devient un véritable chroniqueur de la "Ruée vers l'Or" et des premiers mythes des Etats-Unis. "Mountain Man" illustre la vie quotidienne d'un trappeur et les dangers auxquels il s'expose avec sa monture. Avec cette sculpture, prétexte à un jeu sur les différentes matières, l'artiste peut exprimer les oppositions entre la souplesse des franges, la corde battant au gré du vent et la douceur des fourrures d'une part, et la fermeté de la musculature du cheval et la position précaire de la monture et de son cavalier, d'autre part.

Maison Christofle, sous la direction de Paul Christofle (Français, 1838-1907)
Important trophée de prix décerné à Monsieur Louradour à Mirandol, 1873

en argent, décerné par le Ministère de l'agriculture, du commerce et des travaux publics. Il est coiffé d’une ronde-bosse de la déesse Cérès reposant sur un socle avec l’inscription "CONCOURS GENERAL AGRICOLE DE CAHORS / DECERNEE A Mr LOURADOUR A MIRANDOL". La coupe présente un décor estampé de quatre scènes des travaux des champs légendées "PATURAGE, MOISSON, VENDANGE, LABOURAGE". Le bord est souligné de l’inscription « MINISTERE DE L'AGRICULTURE DU COMMERCE ET DES TRAVAUX PUBLICS MDCCCLXXIII ». Le fût fuselé et cannelé dans un entourage de pampres de vigne est terminé par des gerbes de blé. La base circulaire est composée d’un bœuf, un bélier, une brebis et une faucille en ronde-bosse. Repose sur quatre pieds à enroulements feuillagés ajourés, richement décorés et ciselés de bouquets de feuilles.

Poinçon Minerve 1er titre.
Poinçon d'orfèvre "CC" avec une abeille surmontée de trois étoiles pour Christofle et Cie, insculpté en 1853.
Signé "CHRISTOFLE Ft (fecit) 1873".
D'après un modèle des sculpteurs Eugène Capy (Français, 1829-1894) et Pierre-Louis Rouillard (Français, 1820-1881).

Haut. 65 Diam. du plateau 41,5 cm.
Poids 9.050 g.

Christofle, under the direction of Paul Christofle, 1873. An impressive silver trophy awarded by the French Ministry of agriculture to the winner of the 1873 Cahors Concours Général Agricole. After a model by Eugène Capy and Pierre-Louis Rouillard.

Bibliographie : Yves Badetz in Daniel Alcouffe (dir.), "L'Art en France sous le Second Empire", cat. exp. Paris, Grand Palais, 11 mai - 13 août 1979, Paris, Ed. RMN, Notice 79.

Albert-Ernest Carrier-Belleuse (Français, 1824-1887) à Minton
Nymphe portant une amphore, 1878

en céramique émaillée polychrome.
La nymphe vêtue d'un voile pudique tenant dans ses mains une amphore turquoise à frise de grecques. Elle est assise sur un panier en osier duquel tombent des grappes de raisin.
Signée "A.Carrier" sur la terrasse.
Cachet en creux au revers "Minton" et numérotée "1760", "A0".

Haut. 69 cm.
(éclat au col)

Albert-Ernest Carrier-Belleuse for Minton, 1878. A polychrome glazed majolica vase figuring a scantily clad nymph seated on a wicker basket overflowing with grapes while supporting an amphora.

Après un début de carrière modeste mais prometteur au Salon de 1850, Albert Carrier-Belleuse traverse la Manche pour collaborer au sein de la Manufacture de Minton à l'invitation de son directeur artistique, Léon Arnoux. Son recrutement s'inscrit dans la volonté politique du gouvernement britannique de promouvoir l'industrie nationale, quand bien même les artistes sont issus de pays voisins. La première pièce de Carrier-Belleuse, "La Fontaine de Galathée", est présentée au Crystal Palace en 1851 et profite d'une reconnaissance publique. Grâce aux recherches d'Arnoux qui "mit au point une majolique moderne lancée par Herbert Minton en 1851" (Gilles Grandjean, "Carrier-Belleuse. Le maître de Rodin", 2014, p. 21-22), Carrier-Belleuse modernise la sculpture ornementale. Son travail à Minton se prolonge jusque dans les années 1880. Il travaille ensuite pour la Manufacture de Sèvres, qui se réjouit d'accueillir un talent capable d'organiser un si grand atelier.

Albert-Ernest Carrier-Belleuse (Français, 1824-1887)
Buste de femme au collier de perles

Terre-cuite.
Signée "A Carrier" au dos.

Haut. 77 Larg. 47 Prof. 20 cm.
(accidents)
Socle à pans coupés en bois peint. Haut. totale 83 cm.
Sur une colonne dorique en bois peint à l'imitation du marbre. Haut. totale avec colonne 188 cm.

Provenance : collection de la famille Niermans, architecte et Grand Prix de Rome, Touraine.

Albert-Ernest Carrier-Belleuse. A terracotta bust of a woman with a pearl necklace. Painted wood base and doric column.

L’œuvre de Carrier-Belleuse est à envisager sous deux angles. D’une part, il se présente comme le prolongement de la statuaire du XVIIIe siècle, en s’inspirant notamment des œuvres de Houdon, d’autre part il s’inscrit dans la production presque sérielle du XIXe siècle. Réalisé en terre-cuite, notre exemplaire figure une jeune femme au collier à double rang de perles. Il évoque à la fois le fantasme pour le siècle des Lumières, encouragé par l’attrait de l’Impératrice Eugénie pour Marie-Antoinette, et le demi-monde où Carrier-Belleuse puise une partie de ses modèles, à l’instar de Marguerite Bellanger, maîtresse de l’Empereur Napoléon III (in "Carrier-Belleuse. Le maître de Rodin", cat. exp., Palais de Compiègne, Paris Ed. de la RMN, 2014, p. 53-54). Ce buste s’inscrit dans la production de portraits dits « de fantaisie ». L’artiste s’inspire évidemment des ateliers de céramique avec lesquels il collabore pour augmenter efficacement sa production. Il utilise des moules pour former le sujet principal et assemble des morceaux avant la cuisson, afin de le personnaliser.

Jean-François Millet (Français, 1814-1875)
Etude pour Le Sommeil de l’Enfant

Pierre noire.
Cachet de l’atelier en bas à droite (L.1460).

Haut. 19 Larg. 14 cm.
(légèrement insolé, quelques piqûres)

Provenance : collection d'un château de Touraine.

Jean-François Millet, mid-1800s. A black stone study for "Baby's Slumber", a painting belonging in the collections of the Chrysler Museum in Norfolk, VA .

Notre dessin est préparatoire au tableau intitulé Le Sommeil de l’Enfant conservé au Chrysler Museum de Norfolk, Virginie et daté des années 1854-1856 (voir : « Jean-François Millet », catalogue d’exposition, édition des musées nationaux, Paris 1975, 17 octobre 1975-5 janvier 1976, fig.83, p.124 rep.)

Le cabinet des dessins du musée du Louvre conserve une autre version du même sujet dans laquelle l’enfant regarde par la fenêtre (RF.5671)

Texte de présentation à consulter sur le site internet www.rouillac.com.

Pierre-Auguste Renoir (Français, 1841-1919)
Baigneuse, 1882

Toile.
Signée en bas à droite.
Châssis à clé. Numéros 21387, 92 et D3342.

Haut. 36 Larg. 22 cm.
(rentoilée)

Provenance : ancienne collection Ambroise Vollard, Paris.
Certificat Art Loss Register, 13 décembre 2022.

Pierre-Auguste Renoir. A 1882 portrait of a young bather. Signed.

Bibliographie :
- Ambroise Vollard, "Tableaux, pastels et dessins de Pierre-Auguste Renoir", Paris, 1918, t.1, p.113, n°449 ;
- François Daulte, "Auguste Renoir. Catalogue raisonné de l'œuvre peint. I. Figures 1860-1890", Lausanne, Ed. Durand-Ruel, 1971, n°418 ;
- Guy Patrice et Michel Dauberville, "Renoir. Catalogue raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles", Paris, Ed. Berheim-Jeune, p. 43, n°1360.

Claude Monet (Français, 1840-1926)
Lettre à propos du Journal des Goncourt, 1922

L.A.S. « Claude Monet », Giverny par Vernon, Eure, 9 janvier 1922, [à Charles Hamonet journaliste à l’Express d’Angers et de l’Ouest], 1 page ½ in-8 avec enveloppe timbrée.

« Monsieur, en réponse à l’aimable lettre que m’avez adressée au sujet de la soi-disant série que j’aurais faite à la cathédrale d’Angers, je puis vous dire que Edmond de Goncourt s’est absolument trompé ; ce que j’avais du reste constaté à la lecture de son journal. Et qui permet de supposer beaucoup d’erreurs de ce genre. Recevez, Monsieur, l’assurance de mes sentiments distingués ».

Claude Monet, 1922. A handwritten letter sent to Charles Hamonet, journalist at the Express d’Angers et de l’Ouest newspaper, about the "Journal des Goncourt".

L’altération de la graphie de cette missive, qui rend d’autant plus difficile la lecture du texte, révèle le trouble de la vision qui affecte l’artiste peintre depuis plusieurs années, une double cataracte le handicapant de plus en plus. Pouvant de moins en moins lire et avec un œil quasi aveugle, il finira par dicter toutes ses lettres à sa femme. La lumière excessive le fatigue, il souffre de douleurs névralgiques, obligeant le peintre à se confiner dans la pénombre et à porter des lunettes noires.

Quant à l’erreur évoquée dans sa lettre, elle provient du passage publié dans le Journal des Goncourt : mémoires de la vie littéraire, tome IX, 1894 : « Dimanche 2 septembre. - Et tour à tour, il est question au Grenier, ( ) - de Monet qui aurait fait, aux différentes heures du jour, une trentaine de vues de la cathédrale d’Angers, supérieures, d’après le dire de Frantz Jourdain, à l’émail du peintre anglais Turner. »
Edmond de Goncourt a confondu la cathédrale d’Angers avec celle de Rouen, Notre-Dame, connue pour l’ensemble de 30 tableaux réalisés par Monet entre 1892 et 1894 représentant principalement son portail occidental, peint depuis des angles de vue et à des moments différents de la journée.

Auguste Rodin (Français, 1840-1912)
Femme nue debout, de dos, vers 1898-1900

Graphite sur papier vélin.

Haut. 32 Larg. 20 cm.

Provenance : ancienne collection Jacques Loyau.

Auguste Rodin, ca. 1898-1900. A graphite pencil drawing of a standing female nude seen from the back.

Certificat d'inclusion au catalogue raisonné des oeuvres graphiques d'Auguste Rodin, par Christina Buley-Uribe, en date du 5 avril 2024 sous le numéro n°240401.

Maximilien Luce (Français, 1858-1941)
« Le jardin ensoleillé », c. 1902-03

Toile cartonnée signée.
Réalisée probablement chez Alexandre Charpentier, hameau Boileau à Auteuil.

Haut. 46 Larg. 55 cm.

Provenance : collection d'un château du Gard.

Bibliographie : Denise Bazetoux, "Maximilien Luce catalogue raisonné", vol. III, Le Puits aux livres, 2005, reproduit sous le n°53.

Maximilien Luce, ca. 1902-03. A painting entitled "Le jardin ensoleillé" ("The Sunny Garden"). Canvas on cardboard.

Avis d'inclusion au supplément du catalogue raisonné de l'oeuvre de Maximilien Luce par Madame Denise Bazetoux, en date du 3 juillet 2000.

Maximilien Luce traduit ici l’atmosphère de la fin d’un après-midi d’été passé dans le jardin d’un ami vers 1902-1903. Si l’œuvre invite à la contemplation, elle offre aussi le témoignage des liens unissant le peintre à Alexandre Charpentier. Sculpteur, peintre, ébéniste et graveur, Charpentier lui ouvre au moins à deux reprises les portes de son jardin du hameau Boileau (Denise Bazetoux, op.cit., p. 63, n°52). Installant en 1900 son atelier à Auteuil, au 102 de la rue Boileau, Luce peint donc ici en voisin le jardin de son ami.

Pierre-Auguste Renoir (Français, 1841-1919)
Andrée au chignon, 1919

Toile.
Cachet d'atelier en bas à gauche.

Haut. 30,4 Larg. 28 cm.

Provenance : succession de l'artiste ; ancienne collection de la galerie Bernheim-Jeune, Paris, 1919.
Certificat Art Loss Register, Londres du 19 avril 2024.

Pierre-Auguste Renoir, 1919. A portrait entitled Andrée with a hair bun.

Avis d'inclusion dans le catalogue critique du peintre par le Wildenstein Institute en date du 27 mars 2015.

Bibliographie :
- "L'atelier de Renoir, tome II", Bernheim Jeune , Paris, 1931, pl 227, n°719 ;
- Guy-Patrice et Michel Dauberville, "Catalogue raisonné des tableaux pastels, dessins et aquarelles 1911-1919", Berheim-Jeune, 2014, reproduit p 359, n°4248.

Jules Achille Noël (Français, 1810-1881)
Soleil couchant à la tour carrée, 1872

Toile.
Signée, datée et située "Bretagne".
Marque du marchand de couleur Alexis Ottoz.
Etiquette d'exposition sur le châssis, numérotée "1422 (...) Bruxelles".

Haut. 54 Larg. 38 cm.
Important cadre en bois stuqué et doré (Haut. 87,5 Larg. 71,5 cm).

Provenance : château de l'Indre.

Jules Achille Noël, 1872. A painting depicting a sunset on a square tower. Signed.

Ayant passé une partie de son enfance à Quimper, Noël revient en Bretagne en 1872, après avoir épuisé le thème du Tréport à Dieppe. Il représente vraisemblablement sur cette toile la tour carré de la pointe de Penmarch à Saint Guénolé, qui était alors une région de marécages, bien qu'éloignée de la mer. Reconstituant dans l'intimité de son atelier les croquis et dessins pris sur le vif, Jules Noël nous donne à voir un effet de lumière spectaculaire sur cette vielle tour, faisant presque oublier le travail des femmes déchargeant leurs panières du bateau sur lequel flotte un drapeau tricolore.

Alphonse Mucha (Prague, 1860-1939)
Monaco - Monte Carlo, 1897

Lithographie. Signée et datée dans la planche.
Imprimée par Ferdinand Champenois au 66 boulevard Saint Michel, Paris.
Editée par la Société "La Plume", au 31 boulevard Bonaparte à Paris.

Haut. 95 Larg. 70 cm.
(manque le bandeau supérieur, pliures, déchirures et insolation)

Alphonse Mucha, 1897. A colour lithograph advertising travel to Monaco & Monte Carlo. Signed.

Bibliographie :
- Marina Henderson, Anna Dvorak, « Alphonse Mucha l’œuvre graphique complète », Paris, Academy Editions, 1980, reproduit au n°A21, p.59 et 154 ;
- Jack Rennert, Alain Weill, « Alphonse Mucha. Toutes les affiches & panneaux », Paris, Henri Veyrier, 1984, p. 136-137).

A vocation publicitaire, l'affiche "Monaco. Monte-Carlo" a été tirée en deux états. Le modèle original vise à promouvoir la beauté de la destination, accessible par les Chemins de fer P.L.M. L'absence de la mention de la compagnie ferroviaire confirme que notre exemplaire est la variante. Elle est éditée par "La Plume" en 1897. Néanmoins, la composition générale ne varie pas. La jeune femme est en extase devant la beauté du paysage, tandis que les enroulements floraux rappellent les rails et les roues des trains. (in Rennert et Weill, op.cit., p.136).

Alphonse Mucha (Prague, 1860-1939)
Lorenzaccio, 1896

Lithographie originale en premier état (sur trois au total).
Signée dans la planche.

Haut. 206 Larg. 75 cm.
(deux feuilles, restauration à la jointure).

Provenance : propriété du Gers depuis l'origine.

Alphonse Mucha, 1896. An original lithograph of the first edition of the Lorenzaccio advertisement poster. Signed.

Bibliographie :
- Marina Henderson, Anna Dvorak, « Alphonse Mucha l’œuvre graphique complète », Paris, Academy Editions, 1980, réf. A10, un exemplaire reproduit p. 53 et 153 ;
- Jack Rennert, Alain Weill, « Alphonse Mucha. Toutes les affiches & panneaux », Paris, Henri Veyrier, 1984, un exemplaire reproduit p. 108 ;
- [Collectif], "Sarah Bernhardt. Et la femme créa la star", cat.exp., Paris, Petit Palais, 14 avril 2023-27 août 2023, Paris-Musées, 2023, un exemplaire reproduit p. 212.

Alphonse Mucha (Prague, 1860-1939)
Les Saisons, 1896

Quatre lithographies originales en premier état (sur cinq au total).
Signées dans la planche.

Haut. 107 Larg. 56 cm.

Le printemps (froissée en bas à gauche)
L’été (petite rousseurs en bas à droite)
L’automne (un pli en bas à droite)
L’hiver (déchirures en bas à droite)

Provenance : propriété du Gers depuis l'origine.

Alphonse Mucha, 1896. A set of four original lithographs of the first edition of the Four Seasons.

Bibliographie :
- Marina Henderson, Anna Dvorak, « Alphonse Mucha l’œuvre graphique complète », Paris, Academy Editions, 1980, une suite reproduite sous les références P3-6, p. 20-21 et 146 ;
- Jack Rennert, Alain Weill, « Alphonse Mucha. Toutes les affiches & panneaux », Paris, Henri Veyrier, 1984, une suite reproduite p. 92-95.

Odilon Redon (Français, 1840-1916)
Bouquet de fleurs avec un tournesol

Pastel.
Signé en bas gauche.

Haut. 60 Larg. 40 cm.

Provenance : ancienne collection Jules Chavasse, sa vente, n°27, 22 juin 1922, Paris.
Certificat Artloss Register, Londres, du 11 avril 2024.

Odilon Redon. A pastel painting of a flower arrangement with sunflower.

Bibliographie : Wildenstein-Saint-Guily, III, 1998, n°1558.

Exposition : "Odilon Redon", Tokyo, 1973, n°14, reproduction en couleur.

Marie Laurencin (Française, 1883-1956)
Diane à la biche, 1907

Crayon et aquarelle sur papier.
Signé et daté.

Haut. 18,3 Larg. 26,5 cm.
(feuille tirée d'un cahier, scotchée dans les coins sur une feuille [Haut. 24,4 Larg. 31,4 cm])

Marie Laurencin, 1907. A pencil and watercolor drawing of Diana and a doe.

Bibliographie : D. Marchesseau, "Marie Laurencin, Catalogue raisonné de l’œuvre peint", éditions du Musée Marie Laurencin du Japon, 1986, huile sur bois "Diane à la chasse" datant de 1908, reproduite p. 68, n°46.

Intimement lié à son auteur, ce dessin annonce la toile de « Diane à la chasse », réalisée en 1908, qui appartiendra à Guillaume Apollinaire et se trouve aujourd'hui en mains privées. Compagnon de l'artiste, le poète la présente comme « la peintre du mystère féminin » à la touche « féminine et serpentine », se situant à la confluence entre Pablo Picasso et le Douanier Rousseau. Si Marie Laurencin aime dans ces années 1905-1909 se représenter sous les traits de Diane, c'est aussi bien comme déesse antique que comme princesse de la Renaissance. En se représentant accompagnée d’une biche, son animal attribut, l’artiste interroge sa propre existence, elle qu’André Breton décrivait comme « une biche parmi les fauves ». Si la biche renvoie au désir amoureux, Diane incarne pour le XVIe siècle une image de pureté et d’indépendance. Marie se représente ainsi en icône diaphane au regard félin, s’inspirant notamment de la "Diane au Cerf" du château d’Anet, où vécu son héroïne, Diane de Poitiers. Marie Laurencin, qui n’a pas encore fait la connaissance de Guillaume Apollinaire, fréquente alors Pierre Henri Roché. Ce dernier lui fait découvrir les collections du Musée de Cluny, l’art de la tapisserie des mille fleurs, les portraits de François Clouet et l’emmène visiter l’exposition sur l’Art décoratif oriental. Ces découvertes inhibent son style, qui puise dans l’art oriental des miniatures perses. Elle donne à ses dames des airs de sultanes, au nez long et droit, aux cheveux noirs et aux yeux en bandeau. La stylisation du dessin, avec les arabesques qu’esquissent les fleurs luxuriantes et la ligne serpentine embrassant les courbes de son corps sont caractéristiques de la première période très symboliste de l’artiste.

Marie Laurencin (Française, 1883-1956)
Annonciation, c. 1905

Crayon sur papier.

Haut. 19,3 Larg. 26,9 cm.
(feuille tirée d'un carnet)

Oeuvre en rapport : Salomé à l’Ibis, 1905, Aquatinte et pointe sèche, Art Institute, Chicago (n°2020.28).

Marie Laurencin, ca. 1905. A pencil drawing of the Annunciation.

Bibliographie : D. Marchesseau, "Marie Laurencin, Catalogue raisonné de l’œuvre peint", éditions du Musée Marie Laurencin du Japon, 1986 : une Joueuse de flûte, aquatinte et pointe sèche datant de 1904, reproduite p. 305, n°140.

Marie Laurencin (Française, 1883-1956)
Bouquet de fleurs, c. 1907

Crayon et aquarelle sur papier.

Haut. 26,7 Larg. 20,5 cm.
(feuille tirée d'un carnet, scotchée dans les coins à une feuille [Haut. 32,6 Larg. 25,4 cm])

Marie Laurencin, 1907. A pencil and watercolor drawing of a flower bouquet.

Oeuvres en rapport : Vase de fleurs, 1907, toile (Marchesseau 22).

Bibliographie : D. Marchesseau, "Marie Laurencin, Catalogue raisonné de l’œuvre peint", éditions du Musée Marie Laurencin du Japon, 1986, p.311, n°0162 (pour des bouquets en rapport).

Rembrandt Bugatti (Milan, 1884 - Paris, 1916)
Boniface Marquis de Castellane, c. 1912

Bronze à patine nuancée de bruns.
Signé sur la terrasse "R. BUGATTI".
Edition originale AA Hébrard (c. 1904-1934) ; cachet : "CIRE PERDUE AA HEBRARD".

Haut.totale 76 cm.
Bronze : 73 cm.
Terrasse en marbre vert : Haut. 3 cm.

Provenance : collection particulière, vallée du Rhône.
Certificat Art Loss Register, Londres, 10 avril 2024.

Exposition du plâtre : 1912, Salon de la Société nationale des Beaux-Arts, Paris.

Rembrandt Bugatti, ca. 1912. A bronze sculpture of Boni de Castellane. Signed on its green marble base. Original cast by AA Hébrard.

Certificat et avis d'inclusion au Répertoire Rembrandt Bugatti établi par Madame Véronique Fromanger le 27 février 2024.

Bibliographie : Véronique Fromanger, "Une trajectoire foudroyante ; Rembrandt Bugatti", les Editions de l'Amateur, 2016. Reproduit p.183. "Plâtre, collection particulière. Fonte Albino Palazzolo : en l'état des connaissances, sous toutes réserves, le tirage en bronze répertorié à ce jour est d'un exemplaire."

Entourage de Rembrandt Bugatti (Italien, 1884-1916)
Portrait de Rembrandt Bugatti

Esquisse sur papier insolé, traces d'humidité.
Inscription en bas à droite "esquisse de Rambrandt Bugatti vue par lui même".

Haut. 56 Larg. 45 cm.
(bon état général, en l'état)

By the entourage of Rembrandt Bugatti. A portrait of Rembrandt Bugatti.

Albert Marquet (Français, 1875-1947)
La plage

Encre de Chine sur papier.
Signée en bas à droite.

Haut. 35,5 Larg. 45 cm.
(piqûres)
Dans un cadre en chêne et bois sculpté doré à décor de rinceaux (Haut. 55 Larg. 65,5 cm, petits manques)

Albert Marquet. An ink drawing of a beach. Signed. In a carved giltwood frame.

Oeuvre en rapport : "La Jetée, les dames assises", s.d., Plume et encre de Chine, Paris, Centre Georges Pompidou (AM 3855 D), en dépôt au musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon.

Notre dessin montre tout l'intérêt d'Albert Marquet pour les marines en général et pour la représentation des plages en particulier, qu'il effectue pour la première fois dans les années 1905-1906. C'est à l'occasion d'un voyage avec Raoul Dufy au Havre et Sainte-Adresse que Marquet s'intéresse à un sujet traité antérieurement par les impressionnistes. Il garde de ces derniers le goût pour les variations. Ainsi, ce dessin reprend le groupe de personnages de "La Jetée" et traite l'arrière-plan avec plus de simplicité. L'oeuvre graphique de ce peintre de la Marine est marquée par une économie de moyens.

Romanée Conti, 1924
Un flacon centenaire

Etat d'origine, dans un panier d'osier d'époque.

Provenance : descendance de Charles Brault (1897-1959), amateur, dont une partie de la cave a été rachetée par La Tour d'argent après son décès.

A 1924 bottle of Romanée Conti red wine. In a contemporaneous wicker basket.

Cette bouteille rappelle la grande histoire du Domaine de La Romanée Conti, dont le nom vient du cousin du roi, Louis François de Bourbon, prince de Conti, qui en devient propriétaire en 1760. Sur l'étiquette de ce flacon de 1924 trône le nom de Jacques Duvault-Blochet, qui rachète le domaine à l'aube de ses 80 ans en 1869, en compagnie de deux de ses petits-enfants représentant les familles de Villaine & Chambon, sous le patronyme desquels est précisé "seuls propriétaires".

Le millésime 1924 en Bourgogne voit le début des mises en bouteilles au château, sous l'impulsion de Philippe de Rothschild. Le printemps et le début de l'été sont très favorables à la vigne, la floraison se fait par un temps superbe et l'avance de la végétation permet aux raisins de supporter sans dommage les périodes atmosphériques moins propices et d'atteindre une maturité satisfaisante. Une vendange tardive donne des vins d'une bonne richesse alcoolique, fins et corsés, mais peu tanniques. "Une bonne année", indique Idealwine.

De par le monde, l'an 1924 est celui de la réflexion du Guide Michelin quant à l'attribution des étoiles culinaires, qui débutera deux ans plus tard ; des premiers Jeux Olympiques d'Hiver à Chamonix ; de la mort de Lénine et de la naissance d'Aznavour. A titre anecdotique, c'est également l'année où le record du monde de looping féminin est battu par Adrienne Bolland, qui enchaîne 212 boucles en 72 minutes à Orly. Il y a fort à parier que cet exploit fut célébré avec une bouteille de la Romanée Conti !

Edouard-Marcel Sandoz (Suisse, 1881-1971)
possible édition unique par la maison Christofle pour l'artiste
Coupe aux trois lévriers, c. 1927

au piétement en bronze argenté soutenant une vasque en métal chromé.
Signée sur le pied.
Le modèle créé en 1927.

Haut. 14 cm. Diam. 19,5 cm.
(rayures sur la coupe)

Bibliographie : Félix Marcilhac, "Sandoz, sculpteur figuriste et animalier, 1881-1971, Catalogue raisonné de l'oeuvre sculptée", Editions de l'amateur, Paris, 1996, n°MAM6/1927-5, p. 342-343.

Provenance : collection vendômoise.

Edouard-Marcel Sandoz, ca.1927. A footed bowl decorated with three greyhounds. Silver-plated bronze base and chrome plated bowl. Presumably a one-of-a-kind creation by Christofle.

Nous remercions Madame Caroline Radenac, responsable du Patrimoine de la maison Christofle, qui nous a indiqué que la pièce figure bien sur une plaque de verre conservée dans les archives (Pll 9903, Conservatoire Bouilhet Christofle), sans toutefois aucune autre information de contexte. Dépourvue de poinçon Christofle, il pourrait ainsi s'agir d'une édition unique réalisée pour l'artiste.

Le traitement affuté des profils des trois Greyhounds est un fervent témoignage du talent de Marcel Sandoz, qui s'illustre dans la sculpture animalière. Pour réaliser ses oeuvres, en bronze, pierre et porcelaine, Sandoz s'inspire d'animaux vivants, dans la lignée d'Antoine-Louis Barye ou de Rembrandt Bugatti. A ce titre, il fonde en 1933 la Société Française des Animaliers, dédiée à l'exposition et la promotion des artistes du genre. Avec cette coupe, Marcel Sandoz allie le sculptural à l'utilitaire, entre l'art du bronze et l'orfèvrerie. En choisissant le motif du Greyhound, à l'allure racée et au port altier, le sculpteur rend hommage au chien des pharaons et des dieux gréco-romains.

Edouard Marcel Sandoz (Suisse, 1881-1971)
pour la Manufacture Nationale de Sèvres
Carpe bondissante, dite aussi Marcurus dressé, c. 1934

en grès tendre patiné.
Signé sur la terrasse.
Cachet de la Manufacture de Sèvres, marques de Michel Renault (mouleur de grès de 1920 à 1928, puis mouleur répareur de 1928 à 1952) et Léon Jean-Baptiste Alexandre Blanchot (inspecteur des travaux de sculpture de 1930 à 1947).

Haut. 26,5 Larg. 21,7 Long. 27,3 cm.

Provenance : par tradition familiale, offerte par le président de la République Albert Lebrun à l'un de ses amis.

Edouard Marcel Sandoz for the Manufacture Nationale de Sèvres, ca. 1934. A sandstone sculpture of a jumping carp also called "Upright Marcurus". Signed.

Bibliographie : Félix Marcilhac, "Sandoz sculpteur figuriste et animalier 1881-1971 - Catalogue raisonné de l’œuvre sculpté", Les éditions de l’Amateur, Paris, 1993, modèle référencé sous le n°MNS. 9-1934/1 et reproduit p. 538.

A partir de 1921, la Manufacture Nationale de Sèvres renouvelle son image en s'associant à différents artistes, notamment Marcel Sandoz, qui fournit plusieurs biscuits de porcelaine. Trois autres contrats pour de nouveaux modèles sont établis en 1929, 1934 et 1957. L'artiste revient d'un séjour à l'Institut océanographique de Monaco quand il réalise cette carpe, à l'influence japonisante, représentée au moment de son bond. Dans la tradition asiatique, c'est à ce moment qu'elle se transforme en dragon, fils du Ciel, alors qu'elle remonte le fleuve sacré. En chinois, la racine du mot carpe, Koï, correspond également à celle du mot amour, qu'elle symbolise dans les arts. Le succès du modèle conduit à l'édition de plusieurs bronzes, dont un primé à l'occasion de l'Exposition Universelle de New-York en 1939.

Jo Davidson (Américain, 1883-1952)
"La Terre", 1910

Béton armé.
Signée sur la terrasse, située "Paris" et datée "1910".

Haut. 195 Larg. 62 Prof. 70 cm.
(mousse, restauration ancienne)

Provenance : ancienne collection de l'artiste, au manoir de Bécheron à Saché.

Jo Davidson, 1910. A reinforced concrete sculpture entitled "La Terre" ("The Earth"). Signed.

Bibliographie : Fine Arts Journal, Vol. 29, No. 2 (Aug., 1913), pp. 484-486 (3 pages) à propos de l'acquisition de l'oeuvre par the
Hackley Gallery, Muskegon, Mich
igan.

Vente aux enchères sur désignation. Visite en Touraine sur rendez-vous préalable au 02 47 61 22 22.

« La Terre » est réalisée par Jo Davidson peu de temps après son arrivée à Paris en 1907 et suite à son passage rapide à l'Ecole des Beaux-Arts dans l’atelier du sculpteur Injalbert. A cette époque l’artiste fréquente les avants-gardes et le salon de Gertrude Stein, menant une vie de bohème. Fréquentant assidûment les cafés de Montparnasse, il y gagne la réputation de grand conteur. Ce nu féminin est présenté au salon d’Automne de 1910. Il cherche à retranscrire, dans un langage métaphorique, les sentiments que lui procure l’évocation de la nature. Davidson côtoie les postimpressionnistes et s’éloigne progressivement de l’héritage académique. L’allégorie de la Terre est ici ancrée dans le sol, repliée sur elle-même, s’enveloppant de ses bras. C’est à travers le travail minutieux de l’artiste sur l’attitude corporelle de cette femme, laissant reposer sa tête sur son épaule dans un geste d’abandon, qu’il parvient à lui insuffler la vie. La Terre connaît une bonne réception lors de son exposition ; l'oeuvre est achetée par le musée de Muskegon, dans le Michigan, et plusieurs bronzes sont commandés, dont un exemplaire conservé au Whitney Museum et intitulé « nude ». En tirant cet exemplaire en béton, l'artiste garde la trace de ce premier succès, préfaçant une oeuvre fécond.

Jo Davidson (Américain, 1883-1952)
L'Eveil, 1950

Marbre.
Signé dans un cartouche, situé "Paris" et daté "1950".

Haut. 194 Larg. 74 Prof. 44 cm.

Provenance : ancienne collection de l'artiste, au manoir de Bécheron à Saché.

Jo Davidson, 1950. A marble sculpture entitled L'Eveil ("The Awakening"). Signed.

Vente aux enchères sur désignation. Visite en Touraine sur rendez-vous préalable au 02 47 61 22 22.

L'Eveil est réalisé à Paris en 1950, dans les dernières années de la vie de l’artiste. Avec cette oeuvre, taillée dans un seul bloc de marbre, représentant une femme massive, l’artiste accomplit un morceau de bravoure de pleine maturité. Conservée dans sa propriété de Saché, cette femme en train de s’éveiller est une ode à la beauté féminine et une recherche sans précédent autour du corps et de la matière. L’oeuvre s’inscrit dans la tradition michelangelesque du non-finito, comme le pendant de "L'esclave s'éveillant", sculpté par Michel Ange pour le tombe de Jules II entre 1519 et 1536 et conservé à la Galleria dell'Accademia à Florence.

Jo Davidson se réapproprie l’héritage symboliste de la femme faisant corps avec la nature et la matière, tel qu’il s’exprimait chez Rodin avec « Psyché portant sa lampe », réalisé en 1906, ou encore « Psyché et Pomone » en 1907. Mais à la différence de Rodin, Jo Davidson, qui s’est formé à la taille en autodidacte, réalise lui-même son marbre, sans avoir recours à des praticiens ; le corps s'anime avec les contrastes du traitement du marbre, entre la chair lisse et son enveloppe laissée brute. L’Eveil revêt une dimension à la fois symboliste et très naturaliste par le traitement des gestes et des expressions, rappelant le talent de l’artiste à capturer les expressions humaines.

Jo Davidson (Américain, 1883-1952)
"In Memoriam", c. 1934

Pierre.

Haut. 74 Long. 129 Prof. 45 cm.
(accidents aux orteils, détachés de la sculpture)

Provenance : ancienne collection de l'artiste au manoir de Bécheron, à Saché.

Jo Davidson, ca. 1934. A stone sculpture entitled "In Memoriam".

Vente aux enchères sur désignation. Visite en Touraine sur rendez-vous préalable au 02 47 61 22 22.

Oeuvre réalisée par l'artiste en souvenir de son épouse Yvonne Davidson (1884-1934), styliste et descendante d'un héros de la Guerre d'Indépendance blessé à Yorktown. Cette sculpture avait été disposée par Davidson au-dessus d'un bassin, à Bécheron.

Jo Davidson (Américain, 1883-1952)
Aigle pêcheur

Béton armé.

Haut. 174 Larg. 78 Prof. 48 cm.
(restaurations anciennes, nombreux accidents et manques, notamment aux serres et au bout des ailes)

Sur un socle en zinc. Haut. totale 198 cm.

Provenance : ancienne collection de l'artiste au manoir de Bécheron, à Saché.

Vente aux enchères sur désignation. Visite en Touraine sur rendez-vous préalable au 02 47 61 22 22.

Jo Davidson. A reinforced concrete sculpture of an osprey. On a zinc pedestal.

Jo Davidson (Américain, 1883-1952)
Le couple

Marbre.

Haut. 115 Larg. 50 Prof. 40 cm.
(léger éclat dans la chevelure de la femme)

Provenance : ancienne collection de l'artiste, au manoir de Bécheron à Saché.

Jo Davidson. A marble sculpture of a couple.

Vente aux enchères sur désignation. Visite en Touraine sur rendez-vous préalable au 02 47 61 22 22.

Le « Couple » de Jo Davidson est une oeuvre inédite, représentant un homme et une femme enlacés dont les jambes s’enfoncent dans un bloc de marbre brut jusqu’à hauteur des cuisses. L'hommage à Camille Claudel est criant. En effet, durant les étés 1890 à 1892, les bords de l'Indre reçurent avant Davidson la visite de Camille Claudel et d'Auguste Rodin, qui s'installèrent au château de l’Islette à Azay-le-Rideau. C’est ici que Claudel drape La Valse, fusion de deux corps en mouvement, originellement nus, qui s’étreignent passionnément. Le couple de Jo Davidson rend hommage à cette Valse. Ses visages s’enfoncent et disparaissent dans une étreinte pleine de douceur. Si les corps, chez Camille Claudel, semblent s’étreindre dans un équilibre fugace et instable, ceux de Davidson, emprisonnés dans la pierre, incarnent un état immuable, reflet probable de son amour inaltérable pour son épouse Yvonne de Kerstrart.

Jo Davidson (Américain, 1883-1952)
"Resting Girl"

Béton armé.

Haut. 129 Larg. 60 Prof. 70 cm.
(restaurations anciennes, accidents et manques)

Provenance : ancienne collection de l'artiste au manoir de Bécheron, à Saché.

Jo Davidson. A reinforced concrete sculpture entitled "Resting Girl".

Bibliographie : modèle reproduit in Jo Davidson, Between Sittings, The Dial Press, New York, 1951, p. 246.

Vente aux enchères sur désignation. Visite en Touraine sur rendez-vous préalable au 02 47 61 22 22.

Maurice Estève (Français, 1904-2001)
Le Bouquet blanc, 1942

Toile.
Signée, contresignée, titrée et datée au dos. Numérotée "C8462F" sur le châssis.

Haut. 83,5 Larg. 54 cm.

Provenance :
- collection Jacques et Lydie Bazaine, Paris ;
- leur vente, Me Millon, Paris, 27 juin 2012, n°241 ;
- collection particulière, Tours.

Exposition : Galerie de France, Douze peintres d'aujourd'hui, du 6 février au 4 mars 1943 ; reproduit page 9 du catalogue.

Maurice Estève, 1942. A painting entitled "The White Bouquet". Signed.

Bibliographie : Robert Maillard et Monique Prudhomme-Estève, "Estève : Catalogue raisonné de l'oeuvre peint", Neuchâtel, 1995, n°186, reproduit p. 216.

Rien ne destinait Maurice Estève, petit-fils de paysans du Berry, à une carrière de peintre. Travailleur acharné, aventurier et observateur averti de la peinture, il s’aventure, au gré de ses envies plus que des modes de l’époque, sur tous les terrains picturaux. Il abandonne parfois la forme pour exhausser les couleurs. Bien que s’inspirant des plus grands, comme Cézanne, sa manière de peindre tout en couleur lui est propre. Il participe avec ce tableau à l’exposition « Douze peintres d’aujourd’hui » en 1943, qui est un véritable pied de nez artistique aux forces d’occupation allemandes. Avec Bazaine et Le Moal, il contribue au lendemain de la guerre à faire de l’abstraction une source inépuisable de travail et d’inspiration. Au crépuscule de sa vie, Maurice Estève, l’enfant de Culan, retourne dans son village natal pour y parachever son œuvre, laissant à la postérité des tableaux lumineux alliant avec sagesse la tradition picturale et l’avant-gardisme.

Georges Rouault (Français, 1871-1958)
Arlequin (harmonie rose), c.1948-1952

Toile.
Cachet de l'atelier au dos de la toile.

Haut. 40,7 Larg. 31,8 cm.
Cadre en bois noirci (Haut.53 Larg. 44 cm).

Provenance : collection du bassin d'Arcachon.
Certificat Art Loss Register, Londres, 8 avril 2024.

Georges Rouault, ca.1948-1952. A painting of Harlequin.

Bibliographie : Olivier Nouaille et Olivier Rouault, "Rouault l'oeuvre peint", Fondation Georges Rouault, 2021, reproduit p. 299 au n°4427-3185.

Avis d'inclusion au catalogue complet des oeuvres de Georges Rouault, par Jean-Yves Rouault, président de la Fondation Rouault en date du 5 décembre 2013.
Certificat Art Loss Register, Londres, du 8 avril 2024.

Charles Lapicque (Français, 1898-1988)
"Faune II", 1953

Toile.
Signée et datée "53", titrée, contresignée et datée au dos avec la mention "Non Myer".

Haut. 46 Larg. 27 cm.

Provenance : collection particulière, Tours.

Charles Lapicque, 1953. A painting entitled "Faune II". Signed.

Bibliographie : Philippe Bouchet, "Charles Lapicque le dérangeur", éd. Thalia, oeuvre figurant au centre de la photo pleine page de John Craven représentant l'artiste, entouré de ses oeuvres, dans son atelier de la rue Froidevaux à Paris, en juillet 1953.

Pablo Picasso (Franco-Espagnol, 1881-1973)
Portrait de barbu, 1969

Feutre noir.
Envoi "Pour mon ami Brassaï", signé "Picasso" et daté "12.10.69".
Sur la page de l'éditeur tchécoslovaque Tatran d'un ouvrage publié en 1966 consacré aux deux artistes.

Haut. 19,5 Larg. 18,5 cm.

Provenance : ancienne collection Brassaï (1899-1984).

Pablo Picasso, 1969. A black felt pen portrait of a faun. Signed and dedicated "to my friend Brassaï". On a page of a 1966 book about both artists.

Certificat du comité Picasso en date du 10 avril 2024.

Expositions :
- "Brassaï-Picasso Conversation avec la lumière", Anne Baldassari, Musée Picasso, Paris, Février-Avril 2000.
- "Brassaï, Paris et Picasso", Musée Picasso Málaga, Brassaï Picasso, Novembre 2021-Avril 2022.

Le portrait de cet homme viril, au nez droit, aux yeux rieurs et dont la barbe fournie encadre un léger sourire, est réalisé par Picasso sur la garde de l'édition tchèque de ses conversations, publiées par Brassaï aux éditions Tatran en 1966. Quand « l’oeil de Paris » se rend en 1932 chez le monstre sacré, rue de la Boétie, pour le portraiturer, l'amitié entre les deux expatriés est immédiate. Brassaï retranscrit les mots qu'eut Picasso à ce moment: « J’aime vos photos parce qu’elles sont véridiques. Celles que vous avez faites rue de la Boétie étaient comme une prise de sang, grâce à laquelle on peut faire l’analyse et le diagnostic de ce que je fus à ces instants ». Comme un graffiti niché au creux d'une page, Picasso rappelle avec ce dessin au trait vif et libre le travail photographique de l'artiste autour des fragments de murs parisiens ornés d'entailles et d'affiches. Brassaï est fasciné par les contrastes et les contradictions qui s’expriment à Paris ; il aime représenter aussi bien la bohème artistique et intellectuelle que ses recoins interlopes et ses murs usés par l'énergie populaire. Picasso lui rend dans cet autographe un hommage amical.

Paul Jenkins (Américain, 1923-2012)
"Phenomena Medusa Seen", 1970

Toile. Signé en bas.
Dédicacé "for David+ Sheila", titré, daté "November, 19, 1970", situé "Paris" et contresigné.

Haut. 130 Larg. 97 cm.

Provenance : ancienne collection Sheila et David Douglas Duncan, Mouans-Sartoux.

Paul Jenkins, 1970. An acrylic painting entitled "Phenomena Medusa Seen". Signed and dedicated to David Douglas & Sheila Duncan.

Exposition : "Paul Jenkins, oeuvres 1953-1986", musée Picasso au château Grimaldi, Antibes, du 18 mai au 26 juin 1987 (étiquette au dos).

Paul Jenkins est un inclassable, à la frontière de plusieurs courants, tout comme son ami photographe David Douglas Duncan, pour qui il réalise Medusa Seen. Jenkins est un abstrait, sensible aux expérimentations des Américains, Français et Japonais, qu'il nourrit de ses voyages et de ses rencontres avec Jackson Pollock ou Mark Rothko. Mais sa vision est unique, tout autant que ses techniques, qu'il renouvelle constamment au gré de ses expérimentations. De la même manière Duncan est aussi bien un photographe baroudeur, couvrant toutes les guerres de son temps, dans le Pacifique, en Corée et au Vietnam, que l'oeil et l'ami des artistes, notamment de Picasso, chez qui il est l'un des rares à avoir table ouverte.

En 1960 débute chez Jenkins "Phenomena", une série de peintures à l’huile puis à l’acrylique. Avec son couteau d’ivoire, Jenkins étend finement la matière sur la toile, rappelant la vision d’un "aileron de requin fendant la surface de l’eau". Chacune des œuvres est intitulée « Phenomena », augmentée d'une phrase ou de mots-clés. Elles illustrent « la saisie de la réalité dans ses métamorphoses perpétuelles, à la fois l’acte de peindre et son résultat final ».

Jenkins choisit pour Duncan "Medusa Seen" : la méduse vue. Depuis l'Antiquité, chacun sait que le regard de Méduse, dont la tête est accrochée sur le bouclier de Persée, transforme en pierre ses adversaires. Celui qui a vu Méduse et a survécu est donc d'une adresse extraordinaire, tel David Douglas Duncan, l'oeil de son temps, qui immortalisa en noir et blanc de si nombreux conflits. Jenkins choisit délibérément du noir et du blanc, de façon symbolique et expérimentale, pour cette méduse aux formes organiques, qu'il dédicace à David et à son épouse Sheila. La toile sera ensuite exposée au musée Picasso d'Antibes, dans la rétrospective voulue par Jenkins lui-même, comme le témoignage d'une amitié fidèle et du compagnonnage entre un peintre et un photographe... inclassables !

Olivier Debré (Français, 1920-1999)
"Sognefjord gris, Laerdal", 1979

Toile.
Signée, titrée et datée au dos.

Haut. 100 Larg. 100 cm.

Provenance : collection parisienne.

Olivier Debré, 1979. A painting entitled "Sognefjord gris, Laerdal" ("Grey Sognefjord, Laerdal").

Exposition : "Olivier Debré : rétrospective 1943-1993 - Les carnets de voyage, la couleur", Ajaccio, musée Fesch du 19 juin-31 août 1993.

Certificat d'authenticité par Mme Sylvie Huerre-Debré, fille de l'artiste.

« Je pars, j’avance, et je me dis je vais peindre là » confie Olivier Debré. Le monde offre à l’artiste un immense atelier à ciel ouvert. La Norvège est l’un de ses terrains favoris, qu’il explore entre 1966 et 1998. Là-bas, il commence à peindre en 1971 dans un vocabulaire esthétique, où le signe n’a plus sa place. Notre toile est réalisée en 1979. Lors de ce voyage, Debré est accueilli par l’armateur H.R. Astrup à Laerdal, qui lui ouvre les portes de « Lysne », sa propriété. Des jours durant, l’artiste peint sur le motif, jouant des nuances d’un bleu gris et des subtilités de la matière que lui évoque le Sognefjord. Epaisse à l’extrémité supérieure, l’huile est d’une pureté infinie dans le reste de la surface, seulement perturbée par des coulures volontairement apposées.

Nécessaire de toilette de la Princesse Radziwill

en cristal et métal argenté, au monogramme SR sous une couronne princière, probablement pour Sophie Radziwilll. Composé de trois flacons à parfum, un poudrier, deux brosses et un miroir à main, tous décorés sur la bordure d'une frise de feuilles d'eau.

Flacons : Haut. 14, 12 et 9,5 cm.
Poudrier : Haut. 6,5 Diam.11,5 cm.
Brosses : Long. 21 et 17 cm.
Miroir : Haut. 22,5 cm.

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

A cristal and silver-plated vanity set comprising three perfume bottles, one compact, two brushes and a hand mirror. From the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Bibliothèque à ressaut central de style Louis XVI

en bois de placage. Elle ouvre en partie supérieure par trois tiroirs, la partie centrale à deux portes vitrées entourée par deux vantaux à décor de tables aux angles rentrés. Les montants à pans coupés, le tablier en cul de lampe. Six pieds cambrés.
Dessus de marbre blanc veiné gris.
Ornementation en bronze comme belles frises d'enroulement, chutes et sabots.

Haut. 153 Larg. 144,5 Prof. 39 cm.
(petits manques au placage, manques à un pied)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A Louis XVI style ormolu-mounted veneered wood bookcase. White marble top. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Table de salon et paire de fauteuils de style Louis XV

en bois mouluré, sculpté, laqué.
La table de forme carrée aux angles arrondis présente un plateau gainé d'un cuir beige décoré aux petits fers. La ceinture chantournée reposant sur quatre pieds cambrés terminés en enroulements est surmontée d'une feuille.
Les fauteuils à dossier cabriolet, les accotoirs à manchettes reposant sur des supports mouvementés, reposent sur quatre pieds cambrés terminés par des enroulements. Garniture de cuir beige.

Table : Haut. 76,5 Long. 80 Prof. 80 cm.
Fauteuils : Haut. 86,5 Larg. 53 Prof. 59 cm.
(garniture en cuir accidentée, petits accidents)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A Louis XV style lacquered wood and beige leather coffee table and pair of armchairs. Bespoke pieces of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Huit chaises de style Louis XVI

en bois mouluré, sculpté et laqué crème. Le dossier en chapeau de gendarme et les dés de raccordement à fleurettes. Elles reposent sur quatre pieds fuselés, cannelés, les antérieurs rudentés.
Garniture en velours jaune.

Haut. 94 Larg. 48 Prof. 50 cm.
(petits accidents)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A set of eight Louis XVI style lacquered wood chairs. Velvet upholstery. Bespoke pieces of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Table de salle à manger

au plateau en marbre rouge griotte supporté par deux pieds en pierre sculptée à deux enroulements entourant un motif de cuir.

Haut. 80 Larg. 100 Long 200 cm.
(petits accidents, plateau à resolidariser)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A dining room table with red marble top and carved stone and leather legs. Velvet upholstery. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Paire de tabourets de style Louis XV

en bois mouluré, sculpté et laqué crème de forme rectangulaire, à la ceinture mouvementée à décor de deux fleurs, reposant sur quatre pieds cambrés surmontés d'une fleurette.
Garniture de velours dévoré bleu ornée de deux médaillons dans un entourage de guirlandes.

Haut. 47 Long. 50 Prof. 36 cm.

Joints : deux coussins carrés reprenant la même garniture.

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A pair of Louis XV style lacquered wood stools. Velvet upholstery. Bespoke pieces of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Canapé de style Louis XV

en bois mouluré, sculpté et laqué crème et bleu. Les accotoirs de forme mouvementée reposent sur une ceinture chantournée à décor de motifs floraux. Huit pieds cambrés.
Riche garniture de velours bleu ornée de motifs végétaux.

Haut. 87 Long. 200 Prof. 80 cm.

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A Louis XV style lacquered wood couch. Velvet upholstery. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Paire de bergères de style Louis XV

en bois mouluré, sculpté et laqué crème. Le dossier est à décor de feuilles et d'enroulement alors que les accotoirs à manchettes reposent sur des consoles mouvementées. Quatre pieds cambrés, les antérieurs surmontés de fleurettes.
Garniture de soie, velours et coton crème à ornementation florale.

Haut. 95 Larg. 69 Prof. 60 cm.
(usures à la laque)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A pair of Louis XV style lacquered wood bergère armchairs. Silk, velvet and cotton upholstery. Bespoke pieces of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Guy Lefèvre (Français, 1933-2018) pour la Maison Jansen
Petite table basse

en acier chromé et laiton de forme rectangulaire à deux plateaux en verre fumé. Quatre pieds de section carrée.

Haut. 47 Larg. 70 Prof. 50 cm.
(rayures, petite oxydation)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Guy Lefèvre for Maison Jansen. A small rectangular chrome-plated steel and brass coffee table. Two smoked glass tops. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Guy Lefèvre (Français, 1933-2018) pour la Maison Jansen
Grande table basse

en acier chromé et laiton à deux plateaux en verre fumé. Quatre pieds de section carrée.

Haut. 40,5 Long. 130 Prof. 70 cm.
(petit accident à l'angle du verre du plateau inférieur, rayures)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Guy Lefèvre for Maison Jansen. A large chrome-plated steel and brass coffee table. Two smoked glass tops. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Deux bouts de canapé

en laiton, l'un de forme rectangulaire, l'autre carré. Ils reposent chacun sur des pieds fuselés coiffés de godrons.

Haut. 42 Long. 70,5 Prof. 30,5 cm.
Haut. 38 Long. 30,5 Prof. 30,5 cm.
(petits accidents)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A pair of brass end tables, one rectangular, the other square-shaped. Bespoke pieces of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Paire de chenets

en bronze doré coiffés de deux pommes de pin en deux tailles. La partie centrale à décor d'enroulements surmontant une tête de lion dans un entourage de draperie. Deux pieds gaines cannelés.

Haut. 27 Long. 31,5 Prof. 16 cm.
(usures à la dorure)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A pair of ormolu andirons. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Table à thé aux branches de laurier

en bronze doré de forme mouvementée, composée de deux plateaux en deux tailles à fond de miroir. L'ensemble est décoré de motifs de feuilles de laurier. Quatre pieds terminés en enroulement.

Haut. 63 Larg. 72 Prof. 41,5 cm.
(miroirs oxydés)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. An ormolu tea table. Two mirror tops. Bespoke piece of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Maison Jansen
Paire de bouts de canapé aux branches de laurier

en bronze doré de forme rectangulaire à deux plateaux foncés de miroirs. Ils reposent sur quatre pieds terminés en enroulements.

Haut. 45 Long. 50 Prof. 29 cm.
(miroirs oxydés)

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Maison Jansen. A pair of rectangular ormolu rectangular end tables. Mirror tops. Bespoke pieces of furniture for the Parisian apartment of Princess Radziwill.

Henri d'Orléans, comte de Paris (Français, 1933-2019)
Paysage lacustre
Paysage de montagne

Deux aquarelles.
Signées et datées avec envois à la princesse Radziwill.

Haut. 50 Larg. 35 cm.

Provenance : appartement de la Princesse Radziwill décoré par la Maison Jansen, avenue Foch, Paris.

Henri d'Orléans, Count of Paris. Two watercolor paintings, one depicting a lake landscape, the other a mountain scenery. From the Parisian apartment of Princess Radziwill.